9. Requiem For A Dream / Requiem Por Un Sueño

Ficha Técnica

Dirección: Darren Aronofsky

Actores: Jennifer Connely, Jared Leto, Ellen Burstyn, Marlon Wayans y Christopher McDonnald.

Guión: Darren Aronofsky- Hubert Selby Jr.

Año: 2000

País: USA

IMDB: http://www.imdb.com/title/tt0180093/

Púrpura en la mañana, azul al medio día, naranja en la tarde y verde en la noche

Marion:  Te amo Harry, tu me haces sentir como una persona.

Harry: Marion, Tu eres la chica mas bella en el mundo. Eres mi sueño

Darren Aronofsky es a mi consideración uno de los mejores directores de cine de la actualidad y me atrevo a decir, sin temor a equivocarme, uno de los mejores de la historia. Aunque suene prematuro o precipitado afirmar esto, sus películas son la prueba de lo que digo y con cada film nuevo que estrena,  demuestra que es verdad. Con “Requiem por Un Sueño” nos deleita con una película que creó cientos de admiradores. Además de dejar una canción que se utiliza hasta la saciedad por estudiantes de cine y personas del común para musicalizar sus videos. La cinta impacta por su argumento, por sus imágenes y por la vertiginosidad de su montaje. Es un largometraje muy completo, el cual hace reflexionar y uno se queda  con ella en la memoria y sobretodo con sus personajes.

El film es uno de los más deprimentes de la historia, aunque uno que te deja sintiéndote peor es “Leaving Las Vegas” de Mike Figgis. Aunque tiene este aire depresivo, igual no deja de llegarte y hacerte sentir empatía con los personajes. Al final te deja reflexionando y pensando en lo que les sucede a ellos. Muchos no sentirán lastima, o no se sentirán identificados con ninguno de los cuatro protagonistas, pero por lo menos si te hace sentir las consecuencias de las drogas y te hace vivir lo que ellos viven como si estuvieses allí.



La forma como se desenvuelven los actores en pantalla hace notar inmediatamente el trabajo de Aronofsky. El director es además director-autor, lo que hace mucho más significativo su desempeño, aunque la película está basada en un libro y la coescribió con Hubert Selby Jr, quien escribió el libro. Él le aporta un estilo que trabaja muy bien la narrativa y sobretodo el desarrollo de los personajes y su transformación  a lo largo de la historia. Aunque hay directores que también realizan películas excelentes sin que ellos escriban los guiones de sus largometrajes, como Martin Scorsese, David Fincher o Clint Eastwood; pero directores como Aronofsky, Wes Anderson o Quentin Tarantino dejan ver una marca más personal en sus films y reflejan un estilo muy característico y único. Por eso pienso que es más rescatable un director-autor, ya que el resultado es una película mucho más personal y propia de quien la hace. Aronofsky llena a los personajes también de situaciones muy bien pensadas, que aportan mucho a esa transformación que mencione.

Es un director que ha dejado para todos los cinéfilos y para la cinematografía, por lo menos tres obras maestras. La primera es obviamente la película a la que hago referencia en esta reseña.  La segunda es “The Wrestler” del 2008 y la tercera es “Black Swan” del 2010. Son películas que rebosan la definición de perfección y arte. Se nota mi fanatismo y aprecio por el joven director, pero su filmografía basta de evidencia para lo que opino. Sus otras cintas, “Pi” de 1998 y “The Fountain” del 2006 no me llegaron tanto, aunque no dejan de ser obras importantes y bien hechas, pero creo que no alcanzan el nivel de las tres que menciono.

Por supuesto no debo de dejar a un lado las actuaciones. Ellen Burstyn hace un papel tremendo en esta película. Le aporta una locura única a su personaje. Le va dando un cambio a través de la historia muy notable, además de bien ejecutado. La actriz cuando leyó el guión la primera vez no quiso participar en el proyecto, pero al ver la primera película del director, aceptó. Luego de actuar en este largometraje, confesó que a su consideración fue su mejor actuación. El papel de “Sara” es un personaje solitario y triste, la cual solo encuentra una salida a su monotonía  en la televisión. Cuando recibe una llamada para salir en un programa, se obsesiona tanto con esto que se vuelve adicta a las drogas y alucina. Todo para ella es su hijo, se siente muy orgullosa de él a pesar de que no sabe a profundidad de su vida.

La actuación de Jennifer Connelly es muy buena. Expone muy bien el deseo por la droga y la desesperación que siente, y claro está, los efectos que le repercuten a ella por consumir. Su personaje “Marion” es calmado y tranquilo cuando esta bajos los efectos de la droga. Influencia mucho a “Harry” y va decayendo como los demás personajes cada vez más. Marlon Wayans hace un papel distinto al que está acostumbrado, deja a un lado la comedia para mostrar que puede ser dramático. Aunque me parece que no es un buen actor, hace un esfuerzo válido y rescatable en la película. Su personaje vive con el recuerdo siempre presente de su madre, lo que lo hace sentir nostalgia constantemente. Jared Leto realiza un buen papel, aunque no sobresale tanto. Su personaje  de “Harry” descuida mucho a su madre, sobre todo debido a su adicción. No le importa robarle a ella el televisor para empeñarlo y comprar drogas. Todos ellos viven con la esperanza de que todo va  a cambiar en un futuro, pero en la medida que transcurre la historia se van degradando más y más hasta llegar a sus límites.

Una película normal tendría entre 600 y 700 planos, esta tiene cerca de 2000. La edición rápida y la multiplicidad de planos aumentan el dinamismo y ayuda al espectador a vivir la locura y lo que sufren los personajes. Me parece muy destacable la agilidad con que se narra la historia, además de acertada la forma en que lo hicieron. Y un elemento que aporta y sirve de soporte a toda esta cantidad de imágenes, es el sonido, el cual considero que fue excelente en la cinta. En especial el trabajo de Folley.

Entre los planos que quiero destacar, están los movimientos de cámara conocidos como “Pole Cam”. En los cuales la cámara está pegada a los actores y ellos caminan con ella. En la película se utiliza esto tres veces, con Marlon Wayans, con Ellen Burstyn y con Jennifer Connelly. Otros planos que llaman la atención son los cortes rápidos o planos de inserto, los cuales hay muchos en la película. Además sirven para narrar algo con rapidez, como por ejemplo en “Snatch” de Guy Ritchie que para mostrar que un personaje viaja en avión, utilizan varios planos cortos y sencillos; pero que explican todo. En “Requiem Por un Sueño” se utiliza esto, mostrando planos cerrados de Pastillas y otros elementos.  Hay además planos en homenaje a una película animada japonesa, “Perfect Blue” de 1997, la cual Aronofsky consiguió los derechos de hacer el Remake solo para una escena en particular. La escena es cuando Jenifer Conelly está en la bañera sentada  y devastada porque se acostó con un hombre solo para conseguir drogas. Es una narrativa que se soporta en las imágenes, es una propuesta muy visual e interesante.

La música es muy importante en el film. Sobre todo por la canción "Lux Aeterna" del compositor habitual del director, Clint Mansell, la cual hace erizar la piel en los momentos en que suena, haciendo que esas secuencias de la película sean memorables. Es una canción hermosa, la cual es más que perfecta para la cinta.

El final es muy bien realizado, todos los personajes acaban mal y acostados en posición fetal. No hay un final feliz. Es de las mejores películas que tratan el tema de las drogas y que retratan el sufrimiento y padecimiento que viven sus personajes de una forma muy cruda y real. Otra que lo hace muy bien aunque más exagerado es “Fear and Loathing in Las Vegas” de Terry Gilliam.

Aunque la película es muy popular, esto no le quita su calidad, ni hace que sea menos disfrutable y que no deje de hacer sentir emociones fuertes y logre su resultado. Es muy deprimente y toca un tema que a muchos no le puede llamar la atención, pero es una obra cumbre del cine contemporáneo y que tiene muchísimos elementos importantes para destacar y que reflejan la capacidad de un director con un gran talento.

- No Creo en las propinas... pero sí en el cine -  Ash

-"Nuestra vida es nuestra gran depresión"-

8. Blood Simple. / Sangre Fácil

 

Ficha Técnica

Dirección: Joel Coen- Ethan Coen

Guión: Ethan Coen- Joel Coen

Actores: Frances Mcdormand, Dan Hedaya, M. Emmet Walsh,   John Getz.

Año: 1984

Género: Thriller, Crimen, Film Noir

IMDB:  http://www.imdb.com/title/tt0086979/

 Muerte En El Corazón de Texas

Ray: Si apuntas un arma a alguien, será mejor que estés dispuesto a disparar. Y si le disparas, será mejor que te asegures que está muerto, porque si no lo está… vendrá por ti y te matará

Hablar de lo más destacable del cine puede ser algo pretencioso, y sé que cada quien tiene su propia visión de lo que es el buen cine. A pesar de que es algo muy subjetivo, trato de exponer mis argumentos sobre por qué las películas que escojo las considero las mejores y más destacadas. “Blood Simple” es sin duda  una cinta maravillosa y pienso yo, bastante desconocida.  Es un film que vale mucho la pena descubrir y apreciar. Para los cinéfilos amantes de la filmografía de los hermanos Coen, no los defraudará y a pesar de ser su primer trabajo, es uno de los mejores.

“Blood Simple” es la primera película de los hermanos Coen, Aunque ya habían escrito un guión para Sam Raimi, “Crime Wave” realizada en 1985. Su opera prima es una obra maestra. Desde su primer film dejan ver toda su capacidad y talento para el cine. Realizada en 1984, es todo un homenaje al Cine Negro y al cine mismo. Es una película llena de escenas magistralmente escritas y filmadas; llegando a crear secuencias únicas y excepcionales. Creo que el nivel que tienen los Coen es superior, ellos nacieron para hacer películas y con cada film nuevo que realizan, lo demuestran.

Empezando por el título, “Sangre Fácil”, es muy preciso y define muy bien el largometraje. El título fue sacado de un libro de Dashiell Hammett. Se nota también en cada película de ellos, sus influencias y toda la dedicación que tienen para el cine. Son unos excelentes dramaturgos y saben crear muy bien los personajes, las historias y los diálogos.

La dirección es magnífica,  los actores están muy bien guiados y por supuesto, los planos son muy bien trabajados. Aunque Barry Sonnenfeld es el director de fotografía, se nota el trabajo de cámara de Ethan y Joel, ya que en otras películas tienen esa marca característica que empezaron aquí. En la película solo aparece en los créditos de dirección el nombre de Joel, pero los dos trabajaron en este campo. Los dos Hermanos comenzaron con este film  una carrera cinematográfica brillante. Para muchos al realizar su primera película, están descubriendo apenas su estilo y marca personal, pero para los Coen con “Blood Simple” mostraron el talento y maestría de sus producciones posteriores.

El guion es una excelente muestra de una historia bien escrita. Es un guion lleno de emoción y que juega con los personajes de una forma compleja, creando situaciones hilarantes y muy bien construidas. Los personajes de los Coen siempre están orientados hacia el crimen, son exagerados en su forma de ser y son muy particulares. La construcción de personajes que realizan es única, ellos le aportan características muy singulares y que llaman mucho la atención, creando una conexión al instante con el espectador. Por ejemplo con el personaje "Loren Visser" (M. Emmet Walsh), a quien por cierto no se le nombra nunca en la película, solo se ve su nombre en el encendedor; el cual es un personaje extravagante, que lo guía el deseo por el dinero y el cual se convierte en el antagonista de la película. El papel fue escrito pensando en el actor, dejando mostrar su capacidad de crear papeles llamativos. El actor realiza un muy buen trabajo, creando una personalidad de un hombre burdo y sin escrúpulos.

Dan Hedaya hace también un muy buen desempeño, transmitiéndole al espectador la ira de su personaje “Marty” y todo lo que siente, sin hablar mucho; solo con la expresión de su cara. Está decidido a matar a su esposa y su amante, aunque no es capaz de hacerlo por si mismo.

Frances McDormand, como nos tiene acostumbrados, realiza un rol excelente. Es su primera actuación. La anécdota de cómo consiguió el papel es la siguiente: El rol de “Abby” iba a ser interpretado por Holly Hunter, pero debido a unos inconvenientes no pudo realizarlo. Así que le dijo a su compañera de cuarto que presentara el casting, ella lo presentó y se quedó con el papel, era claro está, Frances.

Este fue el primer trabajo también de Cartel Burwell, compositor habitual de los Coen, el cual no defrauda con esta primera banda sonora. Es una música muy interesante, que es muy adecuada para la película. En especial la canción “It’s The Same Old Song” de The Four Tops , que fue una elección muy buena y aumenta el disfrute de la persona que está viendo.

El largometraje tiene muchos elementos característicos del Film Noir, como la “Mujer fatal”, ya que “Abby” es la que impulsa, aunque no a propósito, a que “Ray” quiera esconder el cuerpo de "Marty" y termine matándolo cuando descubre que está vivo. Ella es la causa también de que “Marty” tome la decisión de mandarlos a matar, debido a que lo engaño con “Ray”. A pesar de esto no es una persona mala. También los personajes están ligados al crimen y obviamente hay muertes dentro de la historia. Hay un detective y, aunque la iluminación no es tan fuerte como en las películas clásicas de Cine Negro, que se parecían en ese sentido a las expresionistas; si tiene un trabajo de iluminación oscura y la mayoría de las escenas son de noche.

Quería resaltar el trabajo de fotografía y aplaudir planos como el del bar, donde “Maurice” se encuentra en la barra y hay una persona ebria acostada allí. La cámara desde lejos, realiza un Dolly In y brinca o salta a esa persona hasta que llega donde “Maurice”. También está el plano, Dolly in, mucho más rápido, hacia “Marty”, el cual tiene aprisionada a “Abby”. Es un plano que utilizarían después en “Raising Arizona” de 1987 y que creo que tomaron de “The Evil Dead” de Sam Raimi. Por último la transición sublime, que se hace con “Abby”, cuando ella está en el bar y observa que alguien robó el dinero de “Marty”. El cambio de espacio no se nota, la transición sucede y ella se acuesta, apareciendo en su casa acostada en la cama.

El manejo de los objetos es importantísimo dentro de la historia. Como lo dijo Aristóteles en su "Poética", los objetos son algo que ayuda a construir los argumentos y en la película están presentes. Por ejemplo el revólver, por el cual “Ray” cree que “Abby” mató a “Marty”. Solo por ese elemento, el cual pertenece a ella, se crea un conflicto en “Ray” y ademas esta siempre presente en la historia. Otro objeto, es el encendedor. El detective decide matar a la pareja, porque  piensa que ellos lo descubrieron, precisamente por este elemento; el cual olvido en el bar.

 

Algo para destacar, es que ninguno de los personajes sabe la verdad absoluta. Cada uno tiene una versión de lo que sucedió. Es muy interesante que al final se queden sin saberlo. Por otro lado, también es muy destacable la manera como filmaron el final de la película, ya que “Abby” nunca llega a ver al detective y cree que es “Marty”, le clava la navaja y le dispara sin verlo. Esa línea que dice él es excelente, cuando ella dice: “No te tengo miedo, Marty” y el detective le responde: “Bueno, si lo veo se lo diré”, toda le secuencia en si es perfecta y excelentemente llevada a cabo. Y el espectador también llega a impactarse cuando ve a “Marty” vivo, uno no encuentra una explicación posible para que eso suceda hasta que muestran que es un sueño.

El argumento está lleno de giros, juega mucho con sus personajes y entretiene al observador. Es una historia muy bien trabajada y desarrollada. Por todo esto hay que ver la película, la cual realizaron unos Coen maduros prematuramente y además, se encontrarán con una producción de un nivel superior y que hasta produjo un remake en Japón del mismísimo Zhang Yimou, el cual no es tan bueno como la original.

-No Creo en las propinas... pero sí en el cine-Ash

"Has bailado alguna vez con el diablo

bajo la la luz de la luna?"