1. John Carpenter

Tributo a John Carpenter / John Carpenter's Tribute

Nombre Completo: John Howard Carpenter

Año De Nacimiento: 1948, Carthage - Nueva York

Filmografía

1. The Ward (2010)                
   
2. "Masters of Horror" (2005-2006)
   - Pro-Life (2006)
       - John Carpenter's Cigarette Burns (2005)  
3. Ghosts of Mars (2001)          
   
4. Vampires (1998)          
   
5. Escape from L.A. (1996)                
6. Village of the Damned (1995)                
7. In the Mouth of Madness (1994)                
8. Body Bags (1993) (TV) (segments "Gas Station, The" and "Hair")                 
9. Memoirs of an Invisible Man (1992)
   
10. They Live (1988)                 
11. Prince of Darkness (1987)                
12. Big Trouble in Little China (1986)                
13. Starman (1984)                
14. Christine (1983)                
15. The Thing (1982)                
16. Escape from New York (1981)                
17. The Fog (1980)                
18. Elvis (1979/I) (TV)                
19. Someone's Watching Me! (1978) (TV)
20. Halloween (1978)                
21. Assault on Precinct 13 (1976)
22. Dark Star (1974)            
23. Gorgon, the Space Monster (1969)
24. Sorceror from Outer Space (1969)
25. Gorgo Versus Godzilla (1969)
26. Warrior and the Demon (1969)  
27. Terror from Space (1963)
28. Revenge of the Colossal Beasts (1962)             

IMDB http://www.imdb.com/name/nm0000118/ 

Directores que son leyenda e íconos del cine, hay varios. Realizadores que son referentes del cine y han logrado un alto prestigio por su trabajo fílmico, reconocidos y alabados por la crítica y el público; hay muchos. Cineastas muy populares, pero que no hacen películas bien realizadas, sino taquilleras, hay demasiados. Hay un director que no tiene un prestigio grande entre el público en general. Que no es conocido por todos. Que hace películas independientes, de serie B, de Terror, de bajo presupuesto y son de calidad y valen por su contenido. Que tiene una gran filmografía y trayectoria. Que sabe dirigir muy bien a sus actores, compenetrandolos con los personajes y con le guión. Que es un referente dentro de la serie B y el Terror, influenciando a muchos directores de generaciones posteriores y a muchas películas que le procedieron. Que está muy comprometido con lo que hace, realizando además las bandas sonoras de sus filmes. Que narra como pocos, historias únicas y muy originales. Que es una leyenda para los cinéfilos que lo conocen y para los que siguen el género. Que es uno de los mejores directores del cine de Terror, independiente y del Cine en general. Su nombre... John Carpenter y por todo esto el maestro es homenajeado aqui.

 Sus películas se quedaron en la mente de las personas que las vieron, para no borrarse jamás. Llegando a realizar films con momentos únicos, personajes míticos, historias originales y bandas sonoras perfectas. "El Principe de las Tinieblas" como es conocido gracias a una de sus películas, es un precursor del cine de terror y uno de los que innovo el género desde que comenzó a hacer películas en la decada del setenta. Carpenter empezó a realizar cortometrajes en 1962, siempre con miras a realizar largometrajes. En 1970 co-escribe un corto que ganó el premio Oscar a "Mejor Corto de Acción", llamado "The Ressurrection Of Broncho Billy". Su padre era músico, de allí su interés por la música y de componer sus bandas sonoras. Asistió a la escuela de cine USC en L.A. llegando a tener de companero de estudio a Dan O'Bannon (Escritor de "Alien" y "Total Recall") con el que creó una gran amistad. En 1974 realiza su primer película "Dark Star", la cual co-escribe con O'Bannon. Durante ese tiempo integra una banda de música con los

directores Tommy Lee Wallace y Nick Casttle llamada "Coupe de Villes". "Dark Star" tiene un muy bajo presupuesto, aun así lograría una película de Ciencia Ficción interesante y que empezaria a mostrar rasgos de su estilo.

En 1976 realiza su segunda película "Asalto a la Comisaria 13 (Assault on Precint 13)", donde se adentra en el género de Acción con toques de Thriller. En la cual una pandilla  ataca una pequena comisaria, debido a que uno de sus integrantes está siendo trasladado a la cárcel. Carpenter escribe y dirige la cinta, logrando una cinta mítica y de culto. Carpenter quería realizar un Western  en homenaje a su director favorito Howard Hawks, pero debido al bajo presupuesto tuvo que plasmar el argumento en la ciudad con toques modernos. Los personajes de la pandilla en la película los basó en loz Zombies de "Night Of the Living Dead" dándoles una personalidad deshumanizada. La película además es una de las pocas que muestra abiertamente un disparo a un niño, una de las escenas más impactantes del filme.

En 1978  Carpenter realiza su siguiente película... toda una obra maestra del cine de terror. "Halloween", contando con la actriz Jammie Lee Curtis, la cual trabajaría en los ochenta en varias cintas de terror y se volvería un ícono dentro del género. El film creó todo un sub-género dentro del terror... el Slasher. Aunque antes de "Halloween" hubo otros referentes para que este sub-género surgiera. Primero esta "Black Christmas" de 1974, la cual está entre el camino de un Giallo y un Slasher. También encontramos "Blood Feast" de 1963, que mostraba mucha violencia y sangre, siempre dentro del bajo presupuesto, dirigida además por el "Padrino"del Gore H.G. Lewis.  Claro está, "The Texas Chainsaw Massacre" de Tobe Hooper de 1974, en la que había tambien un asesino enmascarado y "Night Of the Living Dead" de George A. Romero de 1968, la cual mostraba con mucha crudesa, la violencia y la sangre. Pero "Halloween" impuso toda la forma y el argumento general del Slasher. En los ochenta los Slasher serían muy populares y se realizarían una gran catidad de ellos, todos teniendo como referente a "Halloween". Desde aqui comenzó su colaboración con Debra Hill, la cual se convetiria en una productora reconocida y con la que además, Carpenter co-escribió el guión.

Ese mismo año, realiza para televisión la película "Alguien Me Mira (Someone's Watching Me)", una especie de "Ventana Secreta (Rear Window)" con muchos toques de suspenso. Contando con la actriz Adrienne Barbeau, que haría varias películas de terror en años posteriores y con la que Carpenter se casó en 1979, tuvo un hijo y se divorció en 1984.

En 1979 realiza su primera colaboración con Kurt Russell. "Elvis" una película hecha para televisión también. Elvis es el cantante favorito de Carpenter y por eso aceptó trabajar en la cinta. Es la primera que no escribe él y además es su primer contribución en el género del drama. Algo curioso es que Carpenter dirigió está película sobre "El Rey" y el personaje de Elvis en "Change of Habit" se llama John Carpenter.

En 1980 realiza "La Niebla (The Fog)", de nuevo con las actrices Jamie Lee Curtis y Adrienne Barbau. Esta vez cuenta la historia de una pequena ciudad costera a la cual una inmensa niebla que aparece en la noche que se conmemora su aniversario, esconde algo que empieza a matar a todos sus habitantes. La película la co-escribe con Debra Hill. Sus personajes como volvería costumbre, tienen los nombres sus amigos... Dan O'Bannon y Tommy Lee Wallace. El Filme final duraba muy poco y por está razón Carpenter se vio obligado a realizar una escena más para alargar la película, la escena es la del principio en la fogata (Una de las mejores de la cinta). La película es otro de sus clásicos y crea una atmósfera inquietante y una tensión excelente.

En 1981 realiza "Escape de NY (Escape From NY)", co-escrita con Nick Casttle y la cual cuenta como Snake Plissken debe ingresar a la ciudad de N.Y. a rescatar al presidente de EE.UU. Es una película futurista, donde la ciudad es un lugar donde hechan a los criminales del país. Aqui seguiría la colaboración con su actor fetiche... Kurt Russell. La película entre otras cosas, fue la causante para que Robert Rodriguez decidiera ser director de cine.

En 1982 realiza otra de sus obras maestras, "La Cosa (The Thing)". Remake de la película "La Cosa de Otro Planeta (The Thing From Another World"del año1951. Contando de nuevo con Kurt Russell, la cinta se convirtió en una de las mejores películas de terror y la que la ha dado más reconocimiento. Esta es la favorita del propio director, en esta ocasión tampoco escribe el guión. Además contando con unos efectos especiales y de maquillaje únicos y más que verosímiles realizados por Rob Bottin, haciendo vivir aún más el realismoa al espectador y complementando el muy buen guión, el cual tiene unas de las mejores escenas en el cine. Esta es la primera película en la que Carpenter no compone la banda sonora, dejándole el trabajo a Ennio Morricone.

En 1983 realiza "Christine", basada en un libro de Stephen King. Donde un auto se enamora de un hombre y se obseiona tanto, que mata a todo el que se interponga entre ellos. Logra con esta, una película con mucho suspenso, auqnue no fue tan bien recibida por el público.

En 1984 realiza "Starman" volviendo a la Ciencia Ficción y contando esta vez con Jeff Bridges, quien logró una nominación al Oscar por el filme. Con muchos toques de drama, cuenta una historia triste y muy atrapante, sobre un extraterrestre. El filme posee una banda sonora mjy interesante que acompana a la perfección cada escena.

En 1986 realiza "Rescate en el Barrio Chino (Big Trouble in Little China", todo un clásico de la serie B y actua por supuesto... Kurt. Es una película de acción y aventura  que homenajea al mismo género y sobre todo al cine oriental. Es uno de los largometrajes más recordados del director, gracias al carisma que tiene su personaje principal y al atrapante argumento, plagado de humor, acción y suspenso. Esta, también originalmente iba a ser un Western, pero Carpenter decidió hacerla en tiempos modernos, cambiando por ejemplo que en lugar de que al protagonista le robaran su caballo, le robaran el camión.

En 1987 Capenter deja ver "El Principe de las Tinieblas (Prince of Darkness)", una de las más desconocidas del director y que no resaltaron tanto, a pesar de ser una historia muy original. Este es su primer filme independiente,  debido a  fracasos anteriores en taquilla y de no querer trabajar más con los estudios de Hollywood.

"Ellos Viven (They Live)" la crea en 1988. Es uno de sus mejores largometrajes y uno de los que más dejan marca en la persona que lo ve, tiene además una de las escenas de pelea más larga del cine cercana a los cinco minutos. Carpenter escribe el guión basado en una historia corta de Ray Nelson. Es porsupuesto una historia muy original y que atrapa de inmediato para no soltarte hasta el final. Como siempre sin importar el bajo presupuesto y los efectos malos o rebuscados.

En 1992 llega "Memorias de un Hombre Invisible (Memoirs of An Invisible Man)" una nueva versión de la historia de El Hombre Invisible, basada en el libro de H. F Saint y la cual no escribe. La cinta tiende más a la comedia, en especial por su protagonista... Chevy Chase, aunque manteniendo un toque pesimista y melancólico.

En 1993 realiza "Body Bags", dirigiendo los segmentos "The Gas Station" y "Hair". Hecha para televisión y co-dirigida por Tobe Hooper y Larry Sulkis.

En 1994 realiza "Al Borde de la Locura (In The Mouth Of Madness)" o como es conocida también "En la Boca del Miedo". La cual es una de sus cintas más serias y mejor trabajadas. Es una historia muy del estilo de los escritores H. P. Lovecraft o Stephen King.

"La Villa de los Malditos ( Village of the Dammed)" la realiza en 1995, un remake de "Village of the Dammed"del año 1960. Cuenta con el actor Christopher Reeves, donde un grupo de niños controla la mente de las personas y los hace hacer lo que ellos quieran.

En 1996 realiza su tercer remake, esta vez de su película "Escape de Ny", situando  la trama en Los Angeles. "Escape de LA (Escpae From LA)" no logra tan buenos resultados cómo la original, a pesar de contar con mejores efectos y un mayor presuepuesto que antes, aunque sin ser mucho. Pero, deja ver de nuevo a Snake Plissken para el disfrute de los espectadores.

"Vampiros (Vampires)" se estrena en 1998, quizá de sus películas más recientes, la mejor. Cuenta la historia de un cazavampiros, interpretado por James Wood. Carpenter se adentra por primera vez en contar una historia de vampiros, haciendolo de forma formidable, creando una película excepcional.

En 2001 estrena "Fantasmas de Marte (Ghost Of Mars)", un película muy críticada  y que no genera tan buenas sensaciones. Aún así muestra una hisotria original y que mantiene todo su estilo presente.

Del 2005 al 2006, Carpenter trabaja en la serie de televisión estadounidense "Masters Of Horror" creada por el director Mick Garris y en la cual directores referentes del terror, dirigen un capítulo por temporada. Carpenter dirigió dos capítulos en las dos temporadas que duró la serie. "Pro-Life" una historia muy interesante y entretenida, aunque la que hay que destacar es "Cigarrette Burns" el cual es el mejor capítulo de toda la serie, contando una historia única y con una dosis de mucho terror.

Todos sus seguidores esperaban con ansia su regreso a la pantalla grande luego de su última película en 2001. Tuvieron que pasar nueve años para que viera la luz "The Ward", su regreso (no tan triunfal) al cine. "The Ward" no es lo que se esperaba de ella, aunque no hay que desmeritarla tanto. Esta vez, Carpenter juega con la mente de sus personajes, y con la del mismo espectador, para contar una hisotria inquietante y llena de suspenso, con tomas bien trabajadas y por supuesto, una dirección de actores bien ejecutada. Aunque queda el sin sabor,  que da la sensación de que es una historia que ya ha sido contada varias veces, lo que habla mal del guión (el cual no escribe Carpenter) más no de la dirección, porque gracias a esta la película logra varios aspectos buenos. Ahora Carpenter se encuentra trabajando en varios proyectos, aunque no es seguro cual será su siguiente película, lo que es cierto es que se espera con mucho anhelo el momento en que se estrene.

Como se expresaba al principio, además de películas, John Carpenter ha dejado personajes míticos y únicos. Personajes como Michael Myers, uno de los mejores asesinos enmascarados de la historia del cine y uno de los más aterradores además. También está Snake Plissken, el cual es un mercenario que es más que un protagonista común... un antihéroe, la mezcla perfecta para una dosis de acción y entretenimiento asegurado, con interpretaciones impecables de Kurt Russell. El personaje se había pensado originalmente por los productores para Charles Bronson, pero Carpenter se negó porque ya estaba muy viejo. Kurt Russell fue el responsable de que el personaje tuviera un parche en el ojo y según confesó luego de la película, esta es su favorita y Sanke es su personaje favorito de los que ha realizado. Vale la pena destacar a Napoleon Wilson, el cual está inspirado en el personaje de Charles Bronson en "Erase Una Vez en el Oeste-Hasta que Llegó su Hora(Once Upon A Time in The West)" . Jack Burton es otro personaje inolvidable de sus películas, con frases únicas y una personalidad muy divertida, interpretado también por Kurt Russell.

John Carpenter deja un legado en el cine invaluable, como pocos pueden lograrlo. Deja películas únicas y especatculares , bandas sonoras inigualables como las de "Halloween" o "Escape de Ny" y momentos en sus filmes que hacen sentir un aprecio instantaneo por este director. Gracias por haber elegido el cine como profesión y larga vida a John Carpenter!

Video- Homenaje a John Carpenter

Realizado por: rapadpm

- No Creo en las propinas... pero sí en el cine - Ash

"Todos necesitamos recuerdos

para saber quiénes somos"

10. Tesis

Ficha Técnica

Dirección: Alejandro Amenabar

Guión: Alejandro Amenabar/Mateo Gil

Actores: Ana Torrent, Fele Martinez y Eduardo Noriega

País: España

Año: 1996

IMDB: http://www.imdb.com/title/tt0117883/

Me llamo Ángela, me van a matar...

Creditos finales: Advertimos que las imágenes que

van a ver a continuación, pueden herir

la sensibilidad del espectador.

El cine Gore, la violencia visual, sadismo y en especial el Snuff; son los temas en que se centra "Tesis", adentrándose en un mundo oscuro y sin piedad. La violencia en el cine es un elemento válido y no debería ser motivo de repudio o rechazo. Claro está, que sin dejar a un lado una estructura bien definida y una razón de ser de utilizarla. La violencia visual puede llegar a ser grotesca y perturbadora, pero si está bien trabajada, hay que saberla entender y aceptar. Al fin y al cabo es FICCIÓN. Algo muy distinto es el Snuff o imágenes reales de mutilaciones, asesinatos y desmembramientos. Hay un nivel de aceptación que tiene sus límites, se puede hasta llegar a disfrutar de la violencia ficticia, pero cuando se va más allá... es donde caben si, términos como morbosidad y sadismo.

El Snuff primero que todo, no tiene ninguna relación con lo cinematográfico. No es cine. Basa todo en la perversidad y la tendencia de una gran cantidad de público, lo que resulta siendo una gran "inversión". "Hay que darle al público lo que pide", es una frase muy escuchada desde siempre dentro de la industria de cine y sobre todo, cine comercial. También es el punto de inicio por el cual se motivan los personajes de la película. No debe ser algo tan rotundo, ni es una verdad absoluta. Ya que si la audiencia está acostumbrada a un tipo de cine, un cine en especial Comercial, es porque así se ha provocado y se han adiestrado.

La violencia llama mucho la atención, pero hay que saber hasta donde llegar y se debe tener un mejor tratamiento respecto a la industria filmica... lo que no se ve. Por ejemplo en Colombia, la taquilla la lidera desde siempre, el cine de Hollywood, así como en la mayoria de paises. Existe ese amor por el cine comercial, sobre todo, por lo sucedido con Cine Colombia y su exterminación de la industria naciente colombiana, para importar material estadounidense hace ya decadas. A las personas les atrae más una película de alto presupuesto  y efectos que una propuesta independiente o que una película colombiana no comercial. El público ha sido adiestrado y es solo una excusa para seguir haciendo el mismo tipo de cine y que no importe el contenido.

Aunque se debe de aclarar, que no hay que despreciar ni rechazar por completo el cine comercial o en este caso, el que contiene violencia. Ya que hay películas excelentes dentro de este ámbito y seguiran habiendo. Películas en las que los efectos refuerzan la trama... más no la opacan. Así como películas que tratan la violencia, pero bien realizadas. Lo que sucede es que muchas y las más populares son muchas veces las de peor contenido.

La violencia se refleja más que todo, en el cine de acción y de terror. En el caso de "Tesis", el Thriller. La película trata de hacer una introspección dentro del mundo del Gore, el Snuff y pornografía. Alejandro Amenabar escribe el guión junto a Mateo Gil (Co-guionista habitual de él) cuando aún está en la universidad, la misma que sale en la película. Es su "Tesis"de grado. Con este film, el director nacido en Chile y criado en España, realiza su primer contribución al cine... habiendo realizado antes algunos cortometrajes. Es una ópera prima muy interesante, similar en el argumento a "8 mm" de Joel Schumacher, pero la cual logra un mejor resultado y está mejor trabajado el tema. En especial por el manejo del suspenso. El largometraje se volvió una película de culto y está dentro de las mejores del director.

Los actores están muy bien guiados, a pesar de ser un joven director y ser su primer largo. Amenebar logra un muy buen trabajo, dejando ver su enorme capacidad como director y narrador de historias. Supo encaminar muy bien el argumento y escribe un guión bien estructurado. El suspenso y la intriga están siempre presentes y hay un juego con los personajes y el espectador, por descubrir quién está detrás de las películas Snuff. Hay dos personajes principales por los que se sospecha la culpabilidad, aunque no fue del todo bien desarrollado, ya que es fácil inferir que  SPOILER El asesino es el personaje de Eduardo Noriega. Fin SPOILER, Pero aún así el guión está muy bien pensado y trata muy bien el tema.

Los actores se desenvuelven muy bien. Sobre todo Fele Martinez, siendo su personaje también el mejor trabajado. Él le aporta una personalidad muy definida, "Chema" es un tipo raro, que le gusta el cine violento y cuestiona a la gente "normal" y sus gustos. Para él, el verdadero buen cine es el que vé y colecciona. Es un buen estudiante y tiene un sentido del humor negro. Ana Torrent, hace un buen papel también. "Ángela" no está de acuerdo con al violencia en el cine y en eso centra su trabajo de grado. Ella es callada y tiene muy bien definidas sus creencias y gustos. Eduardo Noriega hace un papel creible y bien personificado. "Bosco" tiene una mirada fija y profunda, es muy misterioso y se le ve la maldad por encima. Los personajes terminan entrometiéndose tanto en un mundo peligroso y oscuro, que terminarán por lamentarlo.

La fotografía es un aspecto destacable, los planos son adecuados, bien utilizados y bien compuestos. Una escena que llama mucho la atención y de las mejores de la película, es cuando "Ángela" tiene en su poder el viodeocassette que econtró el profesor. Ella le baja el contraste a la imágen de su televisor porque tiene miedo de ver su contenido. Se escuchan los gritos de una mujer y "Ángela" se tapa la cara. En ese momento hay un ambiente que se crea de suspenso muy bien ejecutado, sobre todo porque lo que dá más miedo es lo que no se conoce, lo que no se ve... dejando a la imaninación todo lo que está sucediendo.

La secuencia de la parte final, donde "Chema" y "Ángela" están en el sótano, en el cual están los videos Snuff, y son encerrados allí; es otra sobresaliente. Es una secuencia con planos y momentos muy bien pensados y que aumentan el nivel de tensión. También gracias al buen manejo de la Dirección de Arte y la Iluminación.

La mejor obra del director es sin duda "Los Otros" del 2001 (La cual tendrá su respectiva reseña), así como otra muy importante es "Abre los Ojos"de 1997 (Su Segunda película). "Tesis" es una de las mejores películas españolas y por eso se merece tenerla en cuenta. Amenabar es un director muy talentoso, que además compone él mismo las bandas sonoras de sus películas (Como lo hacen Robert Rodriguez o John Carpenter), mostrando todo lo que está comprometido con el cine y dejando notar su talento innato. La película deja claro al final que meterse con el Snuff no es un buen negocio, todo está expuesto para que termine mal. Es un tipo de producciones audiovisuales muy perversas y los que se encargan de realizarlas... está claro no lo hacen por el cine, sobre todo porque tienen que permanecer anónimos y lo que disfrutan realmente es... matar. Por algo como se expresaba en otra reseña, la violencia ficticia si es entretenida y disfrutable... porque para eso está el cine también, para vivir lo que en realidad no podemos. Es una gran película, de un excelente director.

-No Creo en las propinas... pero sí en el cine - Ash

- "La violencia es una de las cosas

mas divertidas de ver"

9. Requiem For A Dream / Requiem Por Un Sueño

Ficha Técnica

Dirección: Darren Aronofsky

Actores: Jennifer Connely, Jared Leto, Ellen Burstyn, Marlon Wayans y Christopher McDonnald.

Guión: Darren Aronofsky- Hubert Selby Jr.

Año: 2000

País: USA

IMDB: http://www.imdb.com/title/tt0180093/

Púrpura en la mañana, azul al medio día, naranja en la tarde y verde en la noche

Marion:  Te amo Harry, tu me haces sentir como una persona.

Harry: Marion, Tu eres la chica mas bella en el mundo. Eres mi sueño

Darren Aronofsky es a mi consideración uno de los mejores directores de cine de la actualidad y me atrevo a decir, sin temor a equivocarme, uno de los mejores de la historia. Aunque suene prematuro o precipitado afirmar esto, sus películas son la prueba de lo que digo y con cada film nuevo que estrena,  demuestra que es verdad. Con “Requiem por Un Sueño” nos deleita con una película que creó cientos de admiradores. Además de dejar una canción que se utiliza hasta la saciedad por estudiantes de cine y personas del común para musicalizar sus videos. La cinta impacta por su argumento, por sus imágenes y por la vertiginosidad de su montaje. Es un largometraje muy completo, el cual hace reflexionar y uno se queda  con ella en la memoria y sobretodo con sus personajes.

El film es uno de los más deprimentes de la historia, aunque uno que te deja sintiéndote peor es “Leaving Las Vegas” de Mike Figgis. Aunque tiene este aire depresivo, igual no deja de llegarte y hacerte sentir empatía con los personajes. Al final te deja reflexionando y pensando en lo que les sucede a ellos. Muchos no sentirán lastima, o no se sentirán identificados con ninguno de los cuatro protagonistas, pero por lo menos si te hace sentir las consecuencias de las drogas y te hace vivir lo que ellos viven como si estuvieses allí.



La forma como se desenvuelven los actores en pantalla hace notar inmediatamente el trabajo de Aronofsky. El director es además director-autor, lo que hace mucho más significativo su desempeño, aunque la película está basada en un libro y la coescribió con Hubert Selby Jr, quien escribió el libro. Él le aporta un estilo que trabaja muy bien la narrativa y sobretodo el desarrollo de los personajes y su transformación  a lo largo de la historia. Aunque hay directores que también realizan películas excelentes sin que ellos escriban los guiones de sus largometrajes, como Martin Scorsese, David Fincher o Clint Eastwood; pero directores como Aronofsky, Wes Anderson o Quentin Tarantino dejan ver una marca más personal en sus films y reflejan un estilo muy característico y único. Por eso pienso que es más rescatable un director-autor, ya que el resultado es una película mucho más personal y propia de quien la hace. Aronofsky llena a los personajes también de situaciones muy bien pensadas, que aportan mucho a esa transformación que mencione.

Es un director que ha dejado para todos los cinéfilos y para la cinematografía, por lo menos tres obras maestras. La primera es obviamente la película a la que hago referencia en esta reseña.  La segunda es “The Wrestler” del 2008 y la tercera es “Black Swan” del 2010. Son películas que rebosan la definición de perfección y arte. Se nota mi fanatismo y aprecio por el joven director, pero su filmografía basta de evidencia para lo que opino. Sus otras cintas, “Pi” de 1998 y “The Fountain” del 2006 no me llegaron tanto, aunque no dejan de ser obras importantes y bien hechas, pero creo que no alcanzan el nivel de las tres que menciono.

Por supuesto no debo de dejar a un lado las actuaciones. Ellen Burstyn hace un papel tremendo en esta película. Le aporta una locura única a su personaje. Le va dando un cambio a través de la historia muy notable, además de bien ejecutado. La actriz cuando leyó el guión la primera vez no quiso participar en el proyecto, pero al ver la primera película del director, aceptó. Luego de actuar en este largometraje, confesó que a su consideración fue su mejor actuación. El papel de “Sara” es un personaje solitario y triste, la cual solo encuentra una salida a su monotonía  en la televisión. Cuando recibe una llamada para salir en un programa, se obsesiona tanto con esto que se vuelve adicta a las drogas y alucina. Todo para ella es su hijo, se siente muy orgullosa de él a pesar de que no sabe a profundidad de su vida.

La actuación de Jennifer Connelly es muy buena. Expone muy bien el deseo por la droga y la desesperación que siente, y claro está, los efectos que le repercuten a ella por consumir. Su personaje “Marion” es calmado y tranquilo cuando esta bajos los efectos de la droga. Influencia mucho a “Harry” y va decayendo como los demás personajes cada vez más. Marlon Wayans hace un papel distinto al que está acostumbrado, deja a un lado la comedia para mostrar que puede ser dramático. Aunque me parece que no es un buen actor, hace un esfuerzo válido y rescatable en la película. Su personaje vive con el recuerdo siempre presente de su madre, lo que lo hace sentir nostalgia constantemente. Jared Leto realiza un buen papel, aunque no sobresale tanto. Su personaje  de “Harry” descuida mucho a su madre, sobre todo debido a su adicción. No le importa robarle a ella el televisor para empeñarlo y comprar drogas. Todos ellos viven con la esperanza de que todo va  a cambiar en un futuro, pero en la medida que transcurre la historia se van degradando más y más hasta llegar a sus límites.

Una película normal tendría entre 600 y 700 planos, esta tiene cerca de 2000. La edición rápida y la multiplicidad de planos aumentan el dinamismo y ayuda al espectador a vivir la locura y lo que sufren los personajes. Me parece muy destacable la agilidad con que se narra la historia, además de acertada la forma en que lo hicieron. Y un elemento que aporta y sirve de soporte a toda esta cantidad de imágenes, es el sonido, el cual considero que fue excelente en la cinta. En especial el trabajo de Folley.

Entre los planos que quiero destacar, están los movimientos de cámara conocidos como “Pole Cam”. En los cuales la cámara está pegada a los actores y ellos caminan con ella. En la película se utiliza esto tres veces, con Marlon Wayans, con Ellen Burstyn y con Jennifer Connelly. Otros planos que llaman la atención son los cortes rápidos o planos de inserto, los cuales hay muchos en la película. Además sirven para narrar algo con rapidez, como por ejemplo en “Snatch” de Guy Ritchie que para mostrar que un personaje viaja en avión, utilizan varios planos cortos y sencillos; pero que explican todo. En “Requiem Por un Sueño” se utiliza esto, mostrando planos cerrados de Pastillas y otros elementos.  Hay además planos en homenaje a una película animada japonesa, “Perfect Blue” de 1997, la cual Aronofsky consiguió los derechos de hacer el Remake solo para una escena en particular. La escena es cuando Jenifer Conelly está en la bañera sentada  y devastada porque se acostó con un hombre solo para conseguir drogas. Es una narrativa que se soporta en las imágenes, es una propuesta muy visual e interesante.

La música es muy importante en el film. Sobre todo por la canción "Lux Aeterna" del compositor habitual del director, Clint Mansell, la cual hace erizar la piel en los momentos en que suena, haciendo que esas secuencias de la película sean memorables. Es una canción hermosa, la cual es más que perfecta para la cinta.

El final es muy bien realizado, todos los personajes acaban mal y acostados en posición fetal. No hay un final feliz. Es de las mejores películas que tratan el tema de las drogas y que retratan el sufrimiento y padecimiento que viven sus personajes de una forma muy cruda y real. Otra que lo hace muy bien aunque más exagerado es “Fear and Loathing in Las Vegas” de Terry Gilliam.

Aunque la película es muy popular, esto no le quita su calidad, ni hace que sea menos disfrutable y que no deje de hacer sentir emociones fuertes y logre su resultado. Es muy deprimente y toca un tema que a muchos no le puede llamar la atención, pero es una obra cumbre del cine contemporáneo y que tiene muchísimos elementos importantes para destacar y que reflejan la capacidad de un director con un gran talento.

- No Creo en las propinas... pero sí en el cine -  Ash

-"Nuestra vida es nuestra gran depresión"-

8. Blood Simple. / Sangre Fácil

 

Ficha Técnica

Dirección: Joel Coen- Ethan Coen

Guión: Ethan Coen- Joel Coen

Actores: Frances Mcdormand, Dan Hedaya, M. Emmet Walsh,   John Getz.

Año: 1984

Género: Thriller, Crimen, Film Noir

IMDB:  http://www.imdb.com/title/tt0086979/

 Muerte En El Corazón de Texas

Ray: Si apuntas un arma a alguien, será mejor que estés dispuesto a disparar. Y si le disparas, será mejor que te asegures que está muerto, porque si no lo está… vendrá por ti y te matará

Hablar de lo más destacable del cine puede ser algo pretencioso, y sé que cada quien tiene su propia visión de lo que es el buen cine. A pesar de que es algo muy subjetivo, trato de exponer mis argumentos sobre por qué las películas que escojo las considero las mejores y más destacadas. “Blood Simple” es sin duda  una cinta maravillosa y pienso yo, bastante desconocida.  Es un film que vale mucho la pena descubrir y apreciar. Para los cinéfilos amantes de la filmografía de los hermanos Coen, no los defraudará y a pesar de ser su primer trabajo, es uno de los mejores.

“Blood Simple” es la primera película de los hermanos Coen, Aunque ya habían escrito un guión para Sam Raimi, “Crime Wave” realizada en 1985. Su opera prima es una obra maestra. Desde su primer film dejan ver toda su capacidad y talento para el cine. Realizada en 1984, es todo un homenaje al Cine Negro y al cine mismo. Es una película llena de escenas magistralmente escritas y filmadas; llegando a crear secuencias únicas y excepcionales. Creo que el nivel que tienen los Coen es superior, ellos nacieron para hacer películas y con cada film nuevo que realizan, lo demuestran.

Empezando por el título, “Sangre Fácil”, es muy preciso y define muy bien el largometraje. El título fue sacado de un libro de Dashiell Hammett. Se nota también en cada película de ellos, sus influencias y toda la dedicación que tienen para el cine. Son unos excelentes dramaturgos y saben crear muy bien los personajes, las historias y los diálogos.

La dirección es magnífica,  los actores están muy bien guiados y por supuesto, los planos son muy bien trabajados. Aunque Barry Sonnenfeld es el director de fotografía, se nota el trabajo de cámara de Ethan y Joel, ya que en otras películas tienen esa marca característica que empezaron aquí. En la película solo aparece en los créditos de dirección el nombre de Joel, pero los dos trabajaron en este campo. Los dos Hermanos comenzaron con este film  una carrera cinematográfica brillante. Para muchos al realizar su primera película, están descubriendo apenas su estilo y marca personal, pero para los Coen con “Blood Simple” mostraron el talento y maestría de sus producciones posteriores.

El guion es una excelente muestra de una historia bien escrita. Es un guion lleno de emoción y que juega con los personajes de una forma compleja, creando situaciones hilarantes y muy bien construidas. Los personajes de los Coen siempre están orientados hacia el crimen, son exagerados en su forma de ser y son muy particulares. La construcción de personajes que realizan es única, ellos le aportan características muy singulares y que llaman mucho la atención, creando una conexión al instante con el espectador. Por ejemplo con el personaje "Loren Visser" (M. Emmet Walsh), a quien por cierto no se le nombra nunca en la película, solo se ve su nombre en el encendedor; el cual es un personaje extravagante, que lo guía el deseo por el dinero y el cual se convierte en el antagonista de la película. El papel fue escrito pensando en el actor, dejando mostrar su capacidad de crear papeles llamativos. El actor realiza un muy buen trabajo, creando una personalidad de un hombre burdo y sin escrúpulos.

Dan Hedaya hace también un muy buen desempeño, transmitiéndole al espectador la ira de su personaje “Marty” y todo lo que siente, sin hablar mucho; solo con la expresión de su cara. Está decidido a matar a su esposa y su amante, aunque no es capaz de hacerlo por si mismo.

Frances McDormand, como nos tiene acostumbrados, realiza un rol excelente. Es su primera actuación. La anécdota de cómo consiguió el papel es la siguiente: El rol de “Abby” iba a ser interpretado por Holly Hunter, pero debido a unos inconvenientes no pudo realizarlo. Así que le dijo a su compañera de cuarto que presentara el casting, ella lo presentó y se quedó con el papel, era claro está, Frances.

Este fue el primer trabajo también de Cartel Burwell, compositor habitual de los Coen, el cual no defrauda con esta primera banda sonora. Es una música muy interesante, que es muy adecuada para la película. En especial la canción “It’s The Same Old Song” de The Four Tops , que fue una elección muy buena y aumenta el disfrute de la persona que está viendo.

El largometraje tiene muchos elementos característicos del Film Noir, como la “Mujer fatal”, ya que “Abby” es la que impulsa, aunque no a propósito, a que “Ray” quiera esconder el cuerpo de "Marty" y termine matándolo cuando descubre que está vivo. Ella es la causa también de que “Marty” tome la decisión de mandarlos a matar, debido a que lo engaño con “Ray”. A pesar de esto no es una persona mala. También los personajes están ligados al crimen y obviamente hay muertes dentro de la historia. Hay un detective y, aunque la iluminación no es tan fuerte como en las películas clásicas de Cine Negro, que se parecían en ese sentido a las expresionistas; si tiene un trabajo de iluminación oscura y la mayoría de las escenas son de noche.

Quería resaltar el trabajo de fotografía y aplaudir planos como el del bar, donde “Maurice” se encuentra en la barra y hay una persona ebria acostada allí. La cámara desde lejos, realiza un Dolly In y brinca o salta a esa persona hasta que llega donde “Maurice”. También está el plano, Dolly in, mucho más rápido, hacia “Marty”, el cual tiene aprisionada a “Abby”. Es un plano que utilizarían después en “Raising Arizona” de 1987 y que creo que tomaron de “The Evil Dead” de Sam Raimi. Por último la transición sublime, que se hace con “Abby”, cuando ella está en el bar y observa que alguien robó el dinero de “Marty”. El cambio de espacio no se nota, la transición sucede y ella se acuesta, apareciendo en su casa acostada en la cama.

El manejo de los objetos es importantísimo dentro de la historia. Como lo dijo Aristóteles en su "Poética", los objetos son algo que ayuda a construir los argumentos y en la película están presentes. Por ejemplo el revólver, por el cual “Ray” cree que “Abby” mató a “Marty”. Solo por ese elemento, el cual pertenece a ella, se crea un conflicto en “Ray” y ademas esta siempre presente en la historia. Otro objeto, es el encendedor. El detective decide matar a la pareja, porque  piensa que ellos lo descubrieron, precisamente por este elemento; el cual olvido en el bar.

 

Algo para destacar, es que ninguno de los personajes sabe la verdad absoluta. Cada uno tiene una versión de lo que sucedió. Es muy interesante que al final se queden sin saberlo. Por otro lado, también es muy destacable la manera como filmaron el final de la película, ya que “Abby” nunca llega a ver al detective y cree que es “Marty”, le clava la navaja y le dispara sin verlo. Esa línea que dice él es excelente, cuando ella dice: “No te tengo miedo, Marty” y el detective le responde: “Bueno, si lo veo se lo diré”, toda le secuencia en si es perfecta y excelentemente llevada a cabo. Y el espectador también llega a impactarse cuando ve a “Marty” vivo, uno no encuentra una explicación posible para que eso suceda hasta que muestran que es un sueño.

El argumento está lleno de giros, juega mucho con sus personajes y entretiene al observador. Es una historia muy bien trabajada y desarrollada. Por todo esto hay que ver la película, la cual realizaron unos Coen maduros prematuramente y además, se encontrarán con una producción de un nivel superior y que hasta produjo un remake en Japón del mismísimo Zhang Yimou, el cual no es tan bueno como la original.

-No Creo en las propinas... pero sí en el cine-Ash

"Has bailado alguna vez con el diablo

bajo la la luz de la luna?"



7. À L'Intérieur / Inside / El Interior

Ficha Técnica

Dirección:  Alexandre Bustillo - Julien Maury

Guión: Alexandre Bustillo - Julien Maury

Actores: Alysson Paradis, Béatrice Dalle.
Año: 2007
Género: Terror, Gore.


IMDB: http://www.imdb.com/title/tt0856288/

 

 

Cuando tu vida queda destruida para

siempre... Tu hogar ya no es dulce

Sarah: Hay una mujer muy extraña afuera, tienen

que venir rápido muy rápido!. No se qué 

quiera. Sabe mi nombre, sabe todo sobre mi... Estoy embarazada!

Esta es una nueva ola, no se parece nada a la conocida Nueva Ola Francesa de Truffaut, Godard, Chabrol y demás; Pero tiene su origen también en Francia y es contemporanea. El género también es distinto, mientras la Nueva Ola clásica tiende más hacia el drama y trata temáticas sociales, preocupándose por sus personajes; esta nueva ola se tiñe de rojo. Involucrándose profundamente en el cine de TERROR!. Todo surgió  cuando Alexandre Aja dirigió en el 2003 "Haute Tension", comenzando una serie de propuestas cinematográficas violentas, llenas de sangre y gore. A "Haute Tension" le siguió "Frontiers" de Xavier Gens, la cual no logra tan buenos resultados. También aparece "Martyrs" de Pascal Laugier, la cual es una película impactante. "Siete Días" de Daniel Grou, que no es lo que se espera de ella. La magnifica "La Horde" de Yannick Dahan y Benjamin Rocher. Por supuesto encontramos en esta lista a "Inside", que es en la que se centra esta reseña. Son películas que dejan ver el conocimiento y el amor por el terror de estos directores que proponen estos filmes muy interesantes y del que se destaca por encima de todas..."Inside".

Estas películas se desarrollan dentro de un género desprestigiado, desvalorado y que a mucha gente no le llama la atención... o no se la prestan. Ya que sus intenciones y fines son distintos a cualquier otro género, buscando asustar, impactar y mantener "Sufriendo" al espectador. Por otro lado para los amantes de este tipo de cine y los que disfrutamos de él, "Inside" resulta ser un filme abrumador e impresionante y todo un placer verlo. Gracias al excelente trabajo realizado y esfuerzo, notándose esto al ver la película; también debido a su argumento y claro... por sus muy, muy, muy buenos efectos especiales. Estos últimos produciendo placer, realismo y miedo al mismo tiempo; además ayudando a que las escenas, la verosimilitud y el dramatismo sean mucho más reales.

"Inside" es un filme violento y crudo, que rebosa la excentrisidad de imágenes sangrientas y gore. Pero sin llegar a la morbosidad o el simple hecho de mostrar sangre por mostrar, ya que tiene una historia trabajada y compleja detrás de esa visión violenta. Aunque claro está, que las escenas gore causan mucho impacto y están siempre presentes en el transcurso de la película. Por eso este largometraje no está hecho para personas sensibles o que sufran viendo sangre o una película de terror. 

La dirección de la película está bien desempeñada, los debutantes Alexandre Bustillo y Julien Maury realizan un trabajo muy bueno para que los actores vivan las emociones con mucha naturalidad y con buenas interpretaciones. Se nota su mano en el resultado final. Por cierto, no son muchos los actores que aparecen en el filme, porque la mayor parte del metraje se desarrolla en una sola locación (Una Casa). Aunque son pocos los actores, no son pocas las emociones ni los buenos desempeños de estos, sobretodo por sus dos protagonistas: la demente y misteriosa mujer (Béatrice Dalleque) trata de matar a la embarazada (Alysson Paradis), realiza un papel muy bueno, conviertiéndo a su personaje en una mujer oscura, llena de ira y casi inexpresiva. Por otro lado está la mujer embarazada, la cual tiene la desgracia de involucrarse con está otra mujer. ella intenta desesperadamente salvarse a si misma y a su bebé de la cacería que esa mujer emprende en su propia casa. Ella se ve real y expresa muy bien lo que vive su personaje. 

El guión como ya lo expresé es muy bueno, en el fondo de la matanza, aparentemente sin sentido, hay un argumento que además de ser bien hecho... es válido y creible. Escrito por los propios directores, es un guión fresco y que le aporta mucho al género y a los apasionados por el terror. Además de resultar ser un argumento muy interesante, propone un giro dramático al final, resultando ser sorpresivo y bien ejecutado. La historia te mantiene impactado y esperando el climax que se pone cada vez más tensionante y por supuesto... el desenlace, hace que te sorprendas, que te asustes y que pienses. También se desarrolla muy bien a los personajes y los objetivos son claros, haciendo de este un conflicto narrativo eficaz y con buenos resultados. 

Esta película se constituye de una historia posible, que trata sobre la venganza y al mismo tiempo sobre el amor, el amor de una madre que haría cualquier cosa por su hijo...o por conseguirlo como sea. Toca de forma violenta lo que es capaz de llegar a hacer un ser humano cuando está enojado, lleno de odio y de venganza, por tratar de solucionar lo que pasó de algún modo... cueste lo que cueste. Pueden decir que solo ven este tipo de películas "sádicos" y personas sin sentimientos, o que ver estos géneros sería una muestra de morbosidad y que no es cine. Pueden decir que solo busca entretener de forma fácil y sin esfuerzo, sin haber una transfondo en este género, que no hay profundidad, que siempre se recurre a los mismo y está lleno de estereotipos. Puede ser que a muchas personas les cause asco y repudien está forma de hacer cine o simplemente sientan miedo. Pero creo que merece ser tenido en cuenta;  que no todas las películas son iguales; que si se muestran imágenes o situaciones violentas y llenas de sangre no quiere decir que sea algo de morbo o sadismo, porque precisamente el cine sirve para eso... para poder vivir lo que en la realidad no se puede y AHÍ si sería motivo de repudio. En las películas se puede vivir y experimentar eso, porque es ficción y creo que está bien darle una oportunidad al género y entenderlo, dejar de verlo como algo malo y empezar a disfrutarlo. "Inside" es una gran película, impactante y que genera placer en los cinéfilos. Es una propuesta que revitaliza el cine de terror y que por supuesto la reconozco y la destaco aquí porque lo merece. 

- No Creo en las propinas... pero sí en el cine- Ash

- "Todos nos volvemos locos alguna vez" -

 

6. Little Miss Sunshine / Pequeña Miss Sunshine

 FICHA TÉCNICA


Dirección: Jonathan Dayton, Valerie Faris
Guión: Michael Arndt
Actores: Abigail Bresslin, Greg Kinnear, Toni Collete, Alan Arkin, Steve Carell, Paul Dano.
Año: 2006
País: Estados Unidos
Género: Drama, Comedia.


IMDB: http://www.imdb.com/title/tt0449059/



 

Todos Pretenden Ser Normales

Abuelo: Un verdadero perdedor es alguien que tiene

tanto miedo de no ganar que ni siquiera lo

intenta.

Hay películas que resultan ser una gran sorpresa, las cuales uno no se esperaba que fueran tan bien hechas, desarrolladas, con resultados tan buenos o que le llegaran al público tan profundamente. Desde que se comienza a ver "Little Miss Sunshine" empieza a haber una conexión muy especial, hay una armonia entre los personajes y los espectadores. La película resulta ser una obra completa y con unos resultados muy buenos, siendo un filme que transmite una sensación de encanto y que produce empatía con el observador. 

El filme narra una historia sencilla, pero que es mucho más interesante y lúcida de lo que aparenta. La forma como está contada es simple y con una edición normal, ya que lo que importa no es la forma sino el contenido. Un contenido con un argumento fenomenal, que se involucra en la vida de una familia y en los problemas personales de cada miembro de esta, en como tratan de solucionarlos. De cómo gracias a un viaje espontáneo por carretera aprenden a ser mejores personas y a valorarse más. Esta el papá (Greg Kinnear) que solo le interesa tener éxito y siempre piensa en sobresalir, inculcandoles a sus hijos que sean ganadores e imponiendoles condiciones y normas para hacerlo posible. Un tio que es homosexual (Steve Carell), que ha intentado suicidarse varias veces y que está cansado de la vida, sobretodo por problemas de amor. Una madre (Toni Collette) que está en constante preocupación por arreglar las cosas, es reprimida y trata de solucionar los problemas de todos, siguiendo adelante tratando de no perder la calma. Un hijo (Paul Dano) que se siente menospreciado y castigado injustamente, decidió revelarse con su familia y rechazar sus decisiones no hablando, creyendo que la vida no tiene sentido y siendo amargado frente a los demás. El abuelo  (Alan Arkin) adicto a las drogas y aparentando que está bien, con una actitud tozca y frívola. Claro está la niña (Abigail Breslin) en la que se centra la trama, una niña preocupada por lo superficial y que con la influencia de todos, en especial del abuelo y del papá, decide participar en un concurso de belleza. Todos ellos encontraran en este viaje una respuesta a sus problemas y se reconocen a ellos mismos gracias a está experiencia.

El guión está muy bien escrito, es una historia divertida y llena de emociones empaticas. Es un guión que sigue una esctructura clásica, que trata un argumento con mucho desarrollo de personajes, que se mete con las emociones humanas y con una familia que es muy similar a la realidad, la cual puede existir en cualquier parte. Es un guión muy interesante y que lleva la historia en una tensión dramática que va creciendo y que va transformando las mentalidades de los personajes. Es una historia que además de ser divertida y de generar interés, es también muy seria e inteligente. 

Es un filme independiente que eligió el género del "Road Movie" para desarrollarse y ambientarse, de forma adecuada y precisa. El guión lo firma Michael Arndt, el cual es su primer trabajo, realiza un muy buen desempeño y logra un guión excelente. Luego de este, realizaría el guión de "Toy Story 3", realizando otro muy buen trabajo. Fue muy merecido el premio oscar que ganó a mejor guión original.

La dirección está bien ejecutada, sobretodo por el trabajo con los actores y sus interpretaciones. La película está dirigida por dos personas, Jonathan Dayton y Valerie Faris, quienes realizan su opera prima, un muy buen debut cinematográfico y que muestra el talento que tienen y que solo habian mostrado en videoclips y cortometrajes. Con está logran una película interesantísima y que tiene muchas más cosas buenas a reconocer que nagativas para resaltar.

Los actores elegidos para el filme son muy buenos, es un reparto muy destacable. en sus personajes existe una identificación muy grande con el público, siendo también muy verosímiles gracias a sus buenas interpretaciones. Cada actor le aporta su toque personal y significativo. Destacando a Abigail Breslin, quien en esa época no era tan reconocida y que hace un muy buen trabajo. A Greg Kinnear y Toni Collette que hacen unos trabajos creibles y que funcionan a la perfección. Alan Arkin, que es un actor de mucha experiencia, además ganó el premio de la academia por su papel del abuelo. También a Steve Carell, quien además de tener dotes para la comedia, puede hacer papeles dramáticos y más serios. Son personajes muy particulares, cada uno tiene un problema, algo que le aqueja y que lo tiene amargado, desilusionado y descontento con la vida.

La música juega un papel importante dentro de la película también, acompañando muy bien las situaciones y escenas. El trabajo de fotografía vale la pena reconocerlo, los planos y movimientos de cámara son buenos y prácticos, sin nada fuera de lo común, pero son adecuados y bien utilizados. El manejo de la cámara por la carretera y dentro del carro es muy bueno. 

Esta película tardó cinco años para realizarse, debido a problemas de financiación. Después de mucho buscar quienes aportaran dinero, logró estrenarse en el 2006. Es una gran película que cuenta una vivencia de una familia y su busqueda por mejorar y ser unida. Tiene momentos, diálogos y situaciones que logran un nivel muy bueno, que hacen apreciar mucho más lo que se ve y mejorar aún más nuestra opinión sobre la película. El final es muy emotivo e interesante, este mismo y la película en si es una crítica a la superficialidad, a no aceptarnos como somos y a los concursos de belleza. Concursos donde las niñas pretenden ser modelos y mayores, ocultas bajo tanto maquillaje y especatcularidad. Nos muestra que no debemos reprimirnos, que hay que tomar las cosas de un mejor modo, que no hay que preocuparse tanto por lo superficial y que no hay que pretender ser lo que no somos ni querer sobresalir en todo innecesariamente sin sentido. Todo esto se narra en la película con hilaridad y diversión, funcionando perfectamente y transmitiendo muchas sensaciones buenas al observador. 

Es una obra completa y muy sobresaliente. Hay películas que resultan ser una gran sorpresa las cuales uno no se esperaba que fueran tan buenas, resultan siendo grandes filmes, "Little Miss Sunshine" es una de ellas.

- No Creo en las propinas... pero sí en el cine - Ash

- "  Hay gente sin Luz" -