4. Bottle

Ficha Técnica

Título Original: Bottle

Dirección: Kirsten Lepore
Guion: Kirsten Lepore
Dirección de Fotografía: Kirsten Lepore
País: Estados Unidos
Año: 2011

IMDB: http://www.imdb.com/title/tt1680060/reference

Kirsten Lepore ha venido creando su propio éxito desde hace algunos años en su país de origen Estados Unidos, se ha abierto el camino gracias a sus trabajos en la animación, particularmente en el Stop Motion. Debido a la cantidad de obras que ahora ha generado, ha sido reconocida con diferentes premios y trabaja para distintas marcas, sin dejar de lado su estilo de hacer los productos audiovisuales y que la ha llevado hasta ese reconocimiento. Dentro de su trabajo, se destacan algunos cortometrajes, y de esos proyectos sobresale sin lugar a dudas Bottle, del año 2011.  Sus obras poseen mucha carga de creatividad, un perfeccionamiento en la técnica de animación que hace parte de su estilo y resultan productos muy llamativos e interesantes, que brillan por sí solos.

Bottle narra el argumento de dos personajes, dos seres hechos de arena y nieve, respectivamente, los cuales se comunican a través del océano, enviándose mensajes, objetos, o distintos elementos por medio de una botella, que los hace interactuar entre si y querer encontrarse.

En muchas ocasiones un producto audiovisual, sea cual sea, resulta mucho mejor confeccionado, más atrapante y llamativo, cuando deja de lado las salidas fáciles; el simple hecho de no tener que recurrir al diálogo (sonidos sí), es motivo para que una obra tome mucho más valor del que pueda poseer. Al no tener diálogos, salen a relucir las ideas, el ingenio y la recursividad de contar o narrar solamente con imágenes, con acciones; algo que resulta mucho más sencillo, más no simple, en los cortometrajes. Y es que este cortometraje en particular puede parecer muy simple, especialmente si solo se conoce su sinopsis, pero su magia radica en su visionado, en dejarse llevar por esas imágenes que no requieren decirnos nada con palabras, sino que nos habla, nos comunica, nos llega solo con lo que vemos ante nuestros ojos.

Además de ser un recurso mucho más creativo, bello si se quiere, el hecho de no recurrir a la voz, también es un aspecto que ayuda a la facilidad de hacer una obra audiovisual, ya que no hay necesidad de contratar o grabar voces (actores) y eso es algo que puede aportar a la disminución de costos. Por lo que los sonidos toman vital importancia, a la par de las imágenes, y así el trabajo de Bottle en cuanto al Foley y el diseño sonoro es excepcional. Se recrea de forma correcta cada ambiente, cada sensación, en últimas, para que eso aporte también a lo que experimenta el espectador cuando ve el corto, y viva cierta identificación desde lo que oye.

Pero, son las imágenes las que tienen todo el poder de empatía, de hacer sentir emociones en la persona que está viendo; algo que desde el guion, escrito también por Lepore, logra ser otro de los puntos positivos del cortometraje. El argumento solo muestra dos personajes, dos seres (que podría ser una representación de hombre y mujer, o cualquier combinación que surja; o ninguno de ellos –por lo que no resulta evidente en lo que se ve-) que no se conocen, pero se logran comunicar el uno con el otro, tienen el medio para hacerlo. Una botella aparece en sus “vidas” y sirve como elemento que une a dos seres (por eso el título del corto); con el que se crea además esa especie de chat (sin ser tan impersonal como cualquier chat), que al principio funciona como cualquier otro, comunicando a dos seres que están lejos geográficamente, pero que al final resulta la excusa para quererse conocer en persona. Los personajes no se conocen al principio, pero empiezan a crear su propia conexión, incluso su propia identidad, cuando se mandan objetos que hacen parte de su ambiente (respectivamente). Entonces se comienza a crear como una especie de historia de amor, logrando identificación con el espectador (no solo por el recurso técnico), debido a lo interesante de esos personajes, esos seres que tienen una forma humanoide, que no hablan, pero logran transmitir sensaciones.

 

 

Ese guion atrapa y convence de inmediato, y lo mejor de todo es el final, que puede parecer triste (ya que se puede pensar que nunca se llegaron a conocer realmente), pero que puede significar algo más (en una interpretación más romántica), que cuando el ser de arena y el de nieve deciden encontrarse en el fondo del océano y se disuelven, terminan fundiéndose, siendo un solo ser y permanecerán juntos. Y en compañía con la forma en que la realizadora decidió contar esa historia, el guion resulta ser algo complementario y eso se ve reflejado en una destacable puesta en escena, trabajo de planos y de edición. Las elipsis van aumentando, al principio el corto se toma su tiempo para mostrar que uno de los personajes encuentra la botella, que saca lo que hay dentro, que empaca algo y la vuelve a enviar; luego los planos van siendo más rápidos, esa edición se vuelve dinámica y paulatinamente se aceleran las acciones que se repiten (de mandar y enviar elementos distintos). Y desde la edición también están los créditos o títulos del cortometraje, que de forma acertada simulan el movimiento del agua en el océano.

Y teniendo en cuenta esas elipsis narrativas, también hay otras que se utilizan muy bien, que ocurren con el tiempo que se demora en llegar la botella a cada polo; ya que obviamente eso llevaría de cierto tiempo, pero esa posible espera se evita. Aunque hay una ocasión donde ese aspecto no resulta tan bien utilizado o que va en contra del argumento, ya que hacia el final, cuando el ser de arena envía sus dibujos no podría saber en qué momento debían de bajar al fondo del mar. Entonces ninguno sabría con exactitud el instante preciso para encontrarse, aunque es un detalle que resulta siendo insignificante (al igual que ocurre con las almejas, que no tenían un tamaño para que cupieran en la botella).

Fue una decisión muy arriesgada a la vez que interesante, la de hacer una animación con elementos naturales y recursos del exterior; por lo que es un cortometraje que también llega a ser algo diferente y hasta innovador, con aspectos que no son tan controlables como en un estudio o trabajando con miniaturas (con excepción de la secuencia final, cuando los dos seres se sumergen para encontrarse, donde Kirsten usó una pecera para simular el fondo del océano y las dos orillas opuestas). La directora se las ingenia para cuidar cada detalle, o valerse de la recursividad para mostrar distinto elementos, como cuando cierra los planos de la botella, y solo se ve el fondo de la misma, para no recurrir a la animación de los personajes introduciendo los objetos (solo se muestra que caen).

Kirsten deja notar que es una obra que necesitó mucho esfuerzo para su realización (como casi con cualquier Stop Motion), especialmente, teniendo en cuenta que las locaciones fueron en el exterior, en dos climas distintos y con cambios de luz fuertes y continuos. El corto Making Of que se puede encontrar muy fácilmente en línea, deja ver esa dedicación que tuvo la realizadora, quien entre otras cosas, es la total responsable de sus obras y en particular de esta, ya que ella sola se encarga de hacer todo (dirección, guion, cámara, edición, sonido, etc.) El resultado final de Bottle, deja muy buenas sensaciones, y es que ese esfuerzo de Kirsten refleja un trabajo bien hecho, donde no son tan contundentes los detalles que evidencian que se trata de un Stop Motion (pisadas, cambios de luz, etc.); solo que al ser en el exterior, es mucho más complicado que no se note cualquier cambio cuando se graba en una playa, con arena y mar  o en la nieve (ya que por ejemplo ella pisaba para acercarse a seguir con la animación, se devolvía en las mismas pisadas y las trataba de borrar).

Kirten Lepore es una realizadora ingeniosa y creativa, sus trabajos se pueden encontrar fácilmente y de hecho posee una página donde se pueden ver: kirtenlepore.com. Bottle es uno de sus mejores trabajos y resulta ser un cortometraje bello, que transmite buenas distintas emociones significativas y que llega a impactar; desde el buen uso del recurso técnico, la originalidad y desde el argumento.

 

Cortometraje

 

- No creo en las propinas... pero sí en el cine - Ash

"He cruzado océanos de tiempo para encontrarte"

 

 

3. Vincent

 

Ficha Técnica

Título: Vincent

Director: Tim Burton
Guion: Tim Burton
Productor: Rick Heinrichs
Actor: Vincent Price
Dirección de Fotografía: Victor Abdalov
Año: 1982
País: Estados Unidos

imdb: http://www.imdb.com/title/tt0084868/reference

Vincent Price (en off): “Allí viviría con los horrores que ha inventado, y vagaría por los oscuros pasillos solo y atormentado”

 

 

 

El cortometraje Vincent es dirigido por el famoso director estadounidense Tim Burton, el cual alcanzó una fama impresionante debido a su particular estilo, un estilo que lo caracteriza y se basa en lo gótico, lo sombrío, en los homenajes al cine de terror clásico, en la muerte y en los personajes marginados y atrapados en ese tipo de mundos, como el mismo lo estuvo en su infancia. Pero en los últimos años, el director ha venido dando muestras de una especie de deterioro en sus trabajos, un deterioro que se deja notar en obras mucho más comerciales que sus primeros trabajos y que resultan ser largometrajes menores en su carrera. Aunque a pesar de que no es muy constante en sus obras, no hay que olvidar sus películas sobresalientes y sus cortometrajes, como en el caso de Frankenweenie (de la que acaba de realizar una versión animada y en un formato distinto) y su primer cortometraje en Stop Motion, Vincent.

El creativo realizador comenzó trabajando para Disney, pero debido a que su visión era según la empresa, algo oscura y distinta de lo acostumbrado en los trabajos de Disney, no tuvo una oportunidad. Algo que resulta un poco extraño, es que en la actualidad el director trabaje en algunas ocasiones para Disney, una empresa que no lo apoyó al principio de su carrera y con la que ha venido mostrando esos desempeños tan poco sobresalientes de los que se estaba hablando. Pero a pesar de todo, Burton consiguió realizar su primer obra, un cortometraje de animación, donde el protagonista es un niño, un niño que es una especie de alter ego, de una versión del propio director y que se centra en la imaginación, la forma en cómo este niño ve al mundo. El cortometraje muestra de forma acertada el mundo que se imagina el niño (Vincent), siendo a su vez, todo un homenaje al actor americano Vincent Price, uno de los actores favoritos del realizador y que pone su voz en el cortometraje.

El argumento cuenta la historia de “Vincent”, un niño que se imagina constantemente un mundo sombrío y tétrico, únicamente cuando se encuentra solo. Se cree que es el actor Vincent Price, le gusta sentir que vive en una atmósfera gótica, con murciélagos y sombras, en la que convirtió a su perro en zombie y disfruta de su soledad, además de leer cuentos de terror y pintar.

 

 

 

Sin duda es una animación excelente, de la que se nota el cuidado extremo en cada detalle y que resulta ser (como en el caso de cualquier animación en Stop Motion) un trabajo producto del esfuerzo, de la dedicación y de paciencia. En ese entonces, el realizador no contaba con presupuestos altos, por lo que además la animación resultó ser un recurso muy útil para poder expresar todo lo que quería, además de forma creativa. Por supuesto la animación también sirve para poder crear ese mundo imaginario que rodea la mente de “Vincent”. Todo apoyado en un excelente guion, del que se nota que fue realizado con una pasión y un gusto extremo que tiene como único protagonista a “Vincent”, razón por la cual a los adultos no se les ve sus rostros nunca.

Para reforzar la intención del realizador, de su visión del mundo, también recurre al blanco y negro, que tiene mucho que ver con el cine clásico y con un estilo serio, oscuro y un poco distinto a las obras de animación convencionales hasta ese momento. Además el trabajo de fotografía, sobresale también el diseño de arte, el cual plantea unos escenarios propios del expresionismo alemán, de las películas de la Hammer y de ese carácter clásico que contiene la obra. Además están las referencias a sus posteriores trabajos, como el perro que tiene “Vincent” de mascota y que se imagina asesinándolo y convertiéndolo en zombie (referencia a Frankenweenie) o la calavera que aparece fugazmente en el mundo oscuro del personaje (similar al “Jack” de The Nighmare Before Christmas – Pesadilla antes de Navidad / El Extrano Mundo de Jack).

 

 

La narración es otro elemento muy importante, ya que acompaña de forma acertada a la imagen, a los dos mundos en los que vive el protagonista y con la particular voz del mítico actor de terror. Además es una narración que se hace en versos, con una rima muy planeada y correcta. Además Vincent Price expresó una gran gratitud a Tim Burton, afirmando que el corto era la “inmortalidad”, que era mejor que una estrella en Hollywood Boulevard.

El cortometraje tiene ese carácter melancólico y triste, el protagonista al final termina atormentado por ese mundo que creó, que se imagina o que tal vez se volvió real, provocando la locura a “Vincent”. Por supuesto, el homenaje también es al autor Edgar Allan Poe, especialmente a su obra “The Raven” (El Cuervo), algo que se nota en la forma como acaba el cortometraje.

Sin duda, Vincent resulta ser un obra excelente, con la que se vive y se siente una identificación con el personaje muy cercana y que es toda una celebración de lo gótico, del terror, de la oscuridad y del cine mismo.

 

Corto:

 

 

 

- No Creo en las propinas... pero sí en el cine - Ash

"Una vida para ti y

otra para tus sueños"

 

 

2. ... Ya No Puede Caminar

Ficha Técnica

Director: Luis Berdejo
Guión: Luis Berdejo
País: España
Actores: Junio Valverde, Miriam Giovanelli, Pepo Oliva.
Año: 2001


IMDB: http://www.imdb.com/title/tt0302051/

Padre: "La contemplación continuada de cualquier cosa que

 te de repulsión, te hace llegar a sentirla cercana y te ayuda a

superar el  miedo por ella."

El corto cuenta una historia atrapante, llena de suspenso y con un giro dramático muy bien utilizado en el desenlace. El argumeto se centra en el pavor de un pequeño niño, un miedo profundo hacia los insectos y en especial, a las cucarachas. El miedo, es algo que todos poseemos, un sentimiento que puede surgir por diversas razones y que para cada quien, afecta de manera diferente. Un miedo puede ir desde un elemento insignificacante hasta algo de grandes proporciones, sin  importar que a otra persona no le afecte. Pueden surgir desde la niñez, desde un recuerdo reprimido de la infancia, el cual se queda en nuestra mente y nos perjudica de por vida. Algunos dicen que la forma más eficaz de que un miedo desaparezca es hacerle frente y convatir con aquello que nos da pavor, para así darnos cuenta de que en realidad no nos afecta tanto. Esa es la idea central del cortometraje, en la que el padre del niño, le da el consejo de convivir con una cucaracha encerrada en una vasija de vidrio para que se vaya acostumbrando a ella a medida que pasa el tiempo y así se de cuenta que sus miedos no tienen fundamento. Lo que no sabía su padre, es que su experimento, que aparentemente estaba dando resultado se salió de las manos y fue a un nivel demasiado lejano.

El guión es sólido, con un argumento eficaz y que brinda una atmósfera atrapante. Parte de una historia sencilla, adentrándose en la inocencia y los miedos de un niño que interpreta el mundo a su alrededor de una manera a la vez curiosa y cautelosa. El argumento se centra en el personaje y su interacción con las cosas que le llaman la atención, pero que en un principio lo asustan. A medida que el niño va dejando sus miedos a pequeños insectos, repite el mismo procedimiento de capturar a un animal distinto cada vez, para irse acostumbrando a él. El consejo de su padre dio resultado y cada vez le quitaba el  miedo a un animal distinto, pero en el desenlace el procedimiento va más allá.

La edición del cortometraje es adecuada y justa, los planos están bien realizados y  eso lleva a que el ritmo de la narración sea preciso. Por este motivo la fotografía está bien ejecutada, con planos interesantes. Como el desenfoque selectivo* con la vasija de vidrio en primer plano y el niño de fondo, o el plano nadir** desde el fondo del pozo en el final. Son planos sencillos, que aportan a mantener la tensión en la historia y en el espectador, sin necesidad de ángulos o movimientos complicados. Además el trabajo de arte está muy bien realizado, el vestuario y las locaciones fueron escogidos a la perfección, así como el movimiento de los personajes por los distintos lugares está bien trabajado.

Las actuaciones en general están bien desmpeñadas. El niño refleja bien el miedo que su personaje siente por los insectos y esto hace que sea verosímil. Es el personaje principal y es en el único que se remarca un cambio de pensamiento, de principio a fin. Es el que lleva el hilo conductor del argumento y a pesar de que no hay requerimentos en actuación demasiado complicados, el joven actor ejecuta su papel de una forma más que aceptable. Los demás actores no aparecen tanto en pantalla, pero aún así, realizan unas buenas interpretaciones en sus roles, en especial el padre del niño y la niña.

El director Luis Berdejo realiza un cortometraje excelente, demostrando un talento inmenso para complementar el guión y la dirección, como sucedió luego con su primer largometraje "The New daughter", el cual situaba el argumento también en un sector rural. Berdejo escribe un muy buen guión y lo lleva a la pantalla de forma sobresaliente. Luego de este, realizaría otros cortometrajes y escribiría en conjunto con Jaume Balagueró y Paco Plaza, el guión de "[Rec]" en el 2007. Hasta su debut en los largometrajes en el 2009.

"... ya no puede caminar" es un cortometraje completo, que brilla por su sencillez y fluidez. Llevando un simple miedo de un niño a un desenlace inesperado, aunque puede llegarse a sospechar lo que va a suceder. Pero sin importar que el giro dramático del final no sorprenda, funciona igual de bien.  Es un corto que muchos desearian haber realizado.

Corto

 

* Desenfoque selectivo: es el nombre que recibe el encuadre en que un objeto está en primer plano y hay otro que está en un profundidad de campo más lejana. La cámara enfoca primero al objeto y luego a lo que está en el fondo.

** Nadir: En un plano o encuadre en el que la cámara está dirigida completamente hacia arriba.

 

- No Creo en las propinas... pero sí en el cine- Ash

-"La Gente Normal me Asusta"-

1. 7:35 de la Mañana

Ficha Técnica

Director: Nacho Vigalondo
Guión: Nacho Vigalondo
Actores: Nacho Vigalondo, Marta Belenger
Año: 2003
País: España



IMDB http://www.imdb.com/title/tt0406501/

Hombre: No hay que olvidar que las mejores cosas de la vida, hay que dejar que empiecen... y dejar que acaben.

El género musical, particularmente, no ha sido un género que logre cautivar o llamar la atención como cualquier otro, debido a la naturalidad con que se presentan en la “vida cotidiana” las coreografías y cómo, todos en una calle pueden cantar una canción, bailando y  siempre con una cara alegre. Es cierto que esto hace parte de las características y del estilo mismo del musical, pero es algo que no aporta mucho a los argumentos, ni a reflejar cierta verosimilitud de una historia.

Tal vez por este motivo los musicales perdieron acogida en los últimos tiempos, después de haber sido un género muy prolífico y rentable en las décadas del cuarenta y cincuenta, además, en especial en Hollywood. Aunque en los últimos años se han realizado algunas películas musicales, como “Dreamgirls” de Bill Condon del 2006, “Chicago” del 2002 y “Nine” del 2009,ambas de Rob Marshall, “Mamma Mia!” de Phyllida Lloyd del 2008 , entre otras; llegando a destacarse de entre todas “Moulan Rouge!” de Baz Luhrmann del 2001. Pero pareciera que el único lugar donde tienen gran acogida este tipo de películas es en “Bollywood”^*.

Nacho Vigalondo es un joven director que tiene un talento innegable para escribir y dirigir obras audiovisuales. El director español, que está a punto de estrenar su próxima película, “Extraterrestre”, comenzó su trabajo realizando cortometrajes, algo que le apasiona mucho y que además  planea seguir trabajando en un futuro. “7:35 de la Mañana” es un cortometraje por el que nominaron a Vigalondo al Oscar en 2004, y es sin duda su mejor trabajo como cortometrajista. A pesar de ser un musical, el director no utiliza una manera simple ni estereotipada de introducir el canto, llegando a realizarlo de forma creativa. Se las ingenia para que los personajes participantes en la escena no empiecen a cantar sin razón alguna de repente, sino que se vean forzados a hacerlo. Con una coreografía que no es estética u ordenada y producto del pánico que sienten los personajes secundarios. Todo gira entorno a un hombre desesperado, que gracias a su personalidad introvertida y tímida, decide expresar lo que siente de forma trágica e impactante, valiéndose de una canción para expresar lo que siente.

Vigalondo logra una dirección especialmente bien planeada, sabiendo guiar a sus actores dentro del espacio y además actuando el mismo. Utiliza una imagen en blanco y negro, como muchos de los directores en sus primeros cortometrajes y películas. Utilizando planos y movimientos de cámara sencillos, sin angulos complejos o una multiplicidad de planos.

El guión es fenomenal, escrito por el propio Vigalondo, ubica el argumento en un solo espacio y en una sola escena. Escribiendo además, la melodía y el ritmo de la canción que canta su personaje. La historia se adentra en la locura de un tipo que decide confesar a una mujer que no conoce, lo que siente por ella, de una manera poco convencional y delirante. Por supuesto llevando todo a que termina mal y de forma trágica. Al final, el corto te deja sorprendido y reflexionando sobre lo que pasó, dejando un sentimiento de empatia por el tipo, asi como de tristeza por cómo termina. Sin duda lo que se expresa en la canción está cargado de fuerza y se cuenta todo por medio de esta. A pesar de ser una forma distinta de contar una historia, si no distinta, por lo menos muy original e innovadora; contiene una estructura narrativa tradicional, manteniendo los puntos de giro y un nivel de tensión dramática ascendiente hasta el clímax.

En cuanto a las actuaciones, Vigalondo no lo hace del todo mal apropiándose del personaje principal de la historia. Se nota en su interpretación, la convicción y la desición con la que su personaje hace por medio de música, su "confesión"de amor hacia la mujer. El personaje acude todos los dias al café, para ver a la mujer por un momento, sin nunca haberle hablado. La mujer, interpretada por Marta Belenger, no le toca hablar mucho, llevando a su personaje a ser más expresivo y a que se nota el miedo que siente por lo que está pasando. El resto de actores, hacen unos papeles aceptables. Sus personajes deben recurrir obligados al canto, notándose en este aspecto, que también se diferencia de los musicales tradicionales, en que las voces no tienen que ser melodiosas o ser voces aptas para cantar. Lo que hace aún más disfrutable la espontaneidad y la naturalidad con la que los personajes deben de cantar.

"7:35 de la Mañana" es sin duda uno de los mejores cortometrajes que existen, con un guión completo y muy bien trabajado, una dirección muy bien planeada y un joven director que mostraba desde entonces su capacidad para contar historias y mantener al espectador atento.

Cortometraje:

 

* Bollywood: Es el nombre con que se conoce a las películas producidas y realizadas en la India, debido a la gran cantidad de producciones que se realizan en este país.

- No Creo en las propinas... pero sí en el cine- Ash

- "Si pudiera cantar una canción sobre todo

lo que estoy sintiendo, sería un éxito" -