9. Requiem For A Dream / Requiem Por Un Sueño

Ficha Técnica

Dirección: Darren Aronofsky

Actores: Jennifer Connely, Jared Leto, Ellen Burstyn, Marlon Wayans y Christopher McDonnald.

Guión: Darren Aronofsky- Hubert Selby Jr.

Año: 2000

País: USA

IMDB: http://www.imdb.com/title/tt0180093/

Púrpura en la mañana, azul al medio día, naranja en la tarde y verde en la noche

Marion:  Te amo Harry, tu me haces sentir como una persona.

Harry: Marion, Tu eres la chica mas bella en el mundo. Eres mi sueño

Darren Aronofsky es a mi consideración uno de los mejores directores de cine de la actualidad y me atrevo a decir, sin temor a equivocarme, uno de los mejores de la historia. Aunque suene prematuro o precipitado afirmar esto, sus películas son la prueba de lo que digo y con cada film nuevo que estrena,  demuestra que es verdad. Con “Requiem por Un Sueño” nos deleita con una película que creó cientos de admiradores. Además de dejar una canción que se utiliza hasta la saciedad por estudiantes de cine y personas del común para musicalizar sus videos. La cinta impacta por su argumento, por sus imágenes y por la vertiginosidad de su montaje. Es un largometraje muy completo, el cual hace reflexionar y uno se queda  con ella en la memoria y sobretodo con sus personajes.

El film es uno de los más deprimentes de la historia, aunque uno que te deja sintiéndote peor es “Leaving Las Vegas” de Mike Figgis. Aunque tiene este aire depresivo, igual no deja de llegarte y hacerte sentir empatía con los personajes. Al final te deja reflexionando y pensando en lo que les sucede a ellos. Muchos no sentirán lastima, o no se sentirán identificados con ninguno de los cuatro protagonistas, pero por lo menos si te hace sentir las consecuencias de las drogas y te hace vivir lo que ellos viven como si estuvieses allí.



La forma como se desenvuelven los actores en pantalla hace notar inmediatamente el trabajo de Aronofsky. El director es además director-autor, lo que hace mucho más significativo su desempeño, aunque la película está basada en un libro y la coescribió con Hubert Selby Jr, quien escribió el libro. Él le aporta un estilo que trabaja muy bien la narrativa y sobretodo el desarrollo de los personajes y su transformación  a lo largo de la historia. Aunque hay directores que también realizan películas excelentes sin que ellos escriban los guiones de sus largometrajes, como Martin Scorsese, David Fincher o Clint Eastwood; pero directores como Aronofsky, Wes Anderson o Quentin Tarantino dejan ver una marca más personal en sus films y reflejan un estilo muy característico y único. Por eso pienso que es más rescatable un director-autor, ya que el resultado es una película mucho más personal y propia de quien la hace. Aronofsky llena a los personajes también de situaciones muy bien pensadas, que aportan mucho a esa transformación que mencione.

Es un director que ha dejado para todos los cinéfilos y para la cinematografía, por lo menos tres obras maestras. La primera es obviamente la película a la que hago referencia en esta reseña.  La segunda es “The Wrestler” del 2008 y la tercera es “Black Swan” del 2010. Son películas que rebosan la definición de perfección y arte. Se nota mi fanatismo y aprecio por el joven director, pero su filmografía basta de evidencia para lo que opino. Sus otras cintas, “Pi” de 1998 y “The Fountain” del 2006 no me llegaron tanto, aunque no dejan de ser obras importantes y bien hechas, pero creo que no alcanzan el nivel de las tres que menciono.

Por supuesto no debo de dejar a un lado las actuaciones. Ellen Burstyn hace un papel tremendo en esta película. Le aporta una locura única a su personaje. Le va dando un cambio a través de la historia muy notable, además de bien ejecutado. La actriz cuando leyó el guión la primera vez no quiso participar en el proyecto, pero al ver la primera película del director, aceptó. Luego de actuar en este largometraje, confesó que a su consideración fue su mejor actuación. El papel de “Sara” es un personaje solitario y triste, la cual solo encuentra una salida a su monotonía  en la televisión. Cuando recibe una llamada para salir en un programa, se obsesiona tanto con esto que se vuelve adicta a las drogas y alucina. Todo para ella es su hijo, se siente muy orgullosa de él a pesar de que no sabe a profundidad de su vida.

La actuación de Jennifer Connelly es muy buena. Expone muy bien el deseo por la droga y la desesperación que siente, y claro está, los efectos que le repercuten a ella por consumir. Su personaje “Marion” es calmado y tranquilo cuando esta bajos los efectos de la droga. Influencia mucho a “Harry” y va decayendo como los demás personajes cada vez más. Marlon Wayans hace un papel distinto al que está acostumbrado, deja a un lado la comedia para mostrar que puede ser dramático. Aunque me parece que no es un buen actor, hace un esfuerzo válido y rescatable en la película. Su personaje vive con el recuerdo siempre presente de su madre, lo que lo hace sentir nostalgia constantemente. Jared Leto realiza un buen papel, aunque no sobresale tanto. Su personaje  de “Harry” descuida mucho a su madre, sobre todo debido a su adicción. No le importa robarle a ella el televisor para empeñarlo y comprar drogas. Todos ellos viven con la esperanza de que todo va  a cambiar en un futuro, pero en la medida que transcurre la historia se van degradando más y más hasta llegar a sus límites.

Una película normal tendría entre 600 y 700 planos, esta tiene cerca de 2000. La edición rápida y la multiplicidad de planos aumentan el dinamismo y ayuda al espectador a vivir la locura y lo que sufren los personajes. Me parece muy destacable la agilidad con que se narra la historia, además de acertada la forma en que lo hicieron. Y un elemento que aporta y sirve de soporte a toda esta cantidad de imágenes, es el sonido, el cual considero que fue excelente en la cinta. En especial el trabajo de Folley.

Entre los planos que quiero destacar, están los movimientos de cámara conocidos como “Pole Cam”. En los cuales la cámara está pegada a los actores y ellos caminan con ella. En la película se utiliza esto tres veces, con Marlon Wayans, con Ellen Burstyn y con Jennifer Connelly. Otros planos que llaman la atención son los cortes rápidos o planos de inserto, los cuales hay muchos en la película. Además sirven para narrar algo con rapidez, como por ejemplo en “Snatch” de Guy Ritchie que para mostrar que un personaje viaja en avión, utilizan varios planos cortos y sencillos; pero que explican todo. En “Requiem Por un Sueño” se utiliza esto, mostrando planos cerrados de Pastillas y otros elementos.  Hay además planos en homenaje a una película animada japonesa, “Perfect Blue” de 1997, la cual Aronofsky consiguió los derechos de hacer el Remake solo para una escena en particular. La escena es cuando Jenifer Conelly está en la bañera sentada  y devastada porque se acostó con un hombre solo para conseguir drogas. Es una narrativa que se soporta en las imágenes, es una propuesta muy visual e interesante.

La música es muy importante en el film. Sobre todo por la canción "Lux Aeterna" del compositor habitual del director, Clint Mansell, la cual hace erizar la piel en los momentos en que suena, haciendo que esas secuencias de la película sean memorables. Es una canción hermosa, la cual es más que perfecta para la cinta.

El final es muy bien realizado, todos los personajes acaban mal y acostados en posición fetal. No hay un final feliz. Es de las mejores películas que tratan el tema de las drogas y que retratan el sufrimiento y padecimiento que viven sus personajes de una forma muy cruda y real. Otra que lo hace muy bien aunque más exagerado es “Fear and Loathing in Las Vegas” de Terry Gilliam.

Aunque la película es muy popular, esto no le quita su calidad, ni hace que sea menos disfrutable y que no deje de hacer sentir emociones fuertes y logre su resultado. Es muy deprimente y toca un tema que a muchos no le puede llamar la atención, pero es una obra cumbre del cine contemporáneo y que tiene muchísimos elementos importantes para destacar y que reflejan la capacidad de un director con un gran talento.

- No Creo en las propinas... pero sí en el cine -  Ash

-"Nuestra vida es nuestra gran depresión"-

8. Blood Simple. / Sangre Fácil

 

Ficha Técnica

Dirección: Joel Coen- Ethan Coen

Guión: Ethan Coen- Joel Coen

Actores: Frances Mcdormand, Dan Hedaya, M. Emmet Walsh,   John Getz.

Año: 1984

Género: Thriller, Crimen, Film Noir

IMDB:  http://www.imdb.com/title/tt0086979/

 Muerte En El Corazón de Texas

Ray: Si apuntas un arma a alguien, será mejor que estés dispuesto a disparar. Y si le disparas, será mejor que te asegures que está muerto, porque si no lo está… vendrá por ti y te matará

Hablar de lo más destacable del cine puede ser algo pretencioso, y sé que cada quien tiene su propia visión de lo que es el buen cine. A pesar de que es algo muy subjetivo, trato de exponer mis argumentos sobre por qué las películas que escojo las considero las mejores y más destacadas. “Blood Simple” es sin duda  una cinta maravillosa y pienso yo, bastante desconocida.  Es un film que vale mucho la pena descubrir y apreciar. Para los cinéfilos amantes de la filmografía de los hermanos Coen, no los defraudará y a pesar de ser su primer trabajo, es uno de los mejores.

“Blood Simple” es la primera película de los hermanos Coen, Aunque ya habían escrito un guión para Sam Raimi, “Crime Wave” realizada en 1985. Su opera prima es una obra maestra. Desde su primer film dejan ver toda su capacidad y talento para el cine. Realizada en 1984, es todo un homenaje al Cine Negro y al cine mismo. Es una película llena de escenas magistralmente escritas y filmadas; llegando a crear secuencias únicas y excepcionales. Creo que el nivel que tienen los Coen es superior, ellos nacieron para hacer películas y con cada film nuevo que realizan, lo demuestran.

Empezando por el título, “Sangre Fácil”, es muy preciso y define muy bien el largometraje. El título fue sacado de un libro de Dashiell Hammett. Se nota también en cada película de ellos, sus influencias y toda la dedicación que tienen para el cine. Son unos excelentes dramaturgos y saben crear muy bien los personajes, las historias y los diálogos.

La dirección es magnífica,  los actores están muy bien guiados y por supuesto, los planos son muy bien trabajados. Aunque Barry Sonnenfeld es el director de fotografía, se nota el trabajo de cámara de Ethan y Joel, ya que en otras películas tienen esa marca característica que empezaron aquí. En la película solo aparece en los créditos de dirección el nombre de Joel, pero los dos trabajaron en este campo. Los dos Hermanos comenzaron con este film  una carrera cinematográfica brillante. Para muchos al realizar su primera película, están descubriendo apenas su estilo y marca personal, pero para los Coen con “Blood Simple” mostraron el talento y maestría de sus producciones posteriores.

El guion es una excelente muestra de una historia bien escrita. Es un guion lleno de emoción y que juega con los personajes de una forma compleja, creando situaciones hilarantes y muy bien construidas. Los personajes de los Coen siempre están orientados hacia el crimen, son exagerados en su forma de ser y son muy particulares. La construcción de personajes que realizan es única, ellos le aportan características muy singulares y que llaman mucho la atención, creando una conexión al instante con el espectador. Por ejemplo con el personaje "Loren Visser" (M. Emmet Walsh), a quien por cierto no se le nombra nunca en la película, solo se ve su nombre en el encendedor; el cual es un personaje extravagante, que lo guía el deseo por el dinero y el cual se convierte en el antagonista de la película. El papel fue escrito pensando en el actor, dejando mostrar su capacidad de crear papeles llamativos. El actor realiza un muy buen trabajo, creando una personalidad de un hombre burdo y sin escrúpulos.

Dan Hedaya hace también un muy buen desempeño, transmitiéndole al espectador la ira de su personaje “Marty” y todo lo que siente, sin hablar mucho; solo con la expresión de su cara. Está decidido a matar a su esposa y su amante, aunque no es capaz de hacerlo por si mismo.

Frances McDormand, como nos tiene acostumbrados, realiza un rol excelente. Es su primera actuación. La anécdota de cómo consiguió el papel es la siguiente: El rol de “Abby” iba a ser interpretado por Holly Hunter, pero debido a unos inconvenientes no pudo realizarlo. Así que le dijo a su compañera de cuarto que presentara el casting, ella lo presentó y se quedó con el papel, era claro está, Frances.

Este fue el primer trabajo también de Cartel Burwell, compositor habitual de los Coen, el cual no defrauda con esta primera banda sonora. Es una música muy interesante, que es muy adecuada para la película. En especial la canción “It’s The Same Old Song” de The Four Tops , que fue una elección muy buena y aumenta el disfrute de la persona que está viendo.

El largometraje tiene muchos elementos característicos del Film Noir, como la “Mujer fatal”, ya que “Abby” es la que impulsa, aunque no a propósito, a que “Ray” quiera esconder el cuerpo de "Marty" y termine matándolo cuando descubre que está vivo. Ella es la causa también de que “Marty” tome la decisión de mandarlos a matar, debido a que lo engaño con “Ray”. A pesar de esto no es una persona mala. También los personajes están ligados al crimen y obviamente hay muertes dentro de la historia. Hay un detective y, aunque la iluminación no es tan fuerte como en las películas clásicas de Cine Negro, que se parecían en ese sentido a las expresionistas; si tiene un trabajo de iluminación oscura y la mayoría de las escenas son de noche.

Quería resaltar el trabajo de fotografía y aplaudir planos como el del bar, donde “Maurice” se encuentra en la barra y hay una persona ebria acostada allí. La cámara desde lejos, realiza un Dolly In y brinca o salta a esa persona hasta que llega donde “Maurice”. También está el plano, Dolly in, mucho más rápido, hacia “Marty”, el cual tiene aprisionada a “Abby”. Es un plano que utilizarían después en “Raising Arizona” de 1987 y que creo que tomaron de “The Evil Dead” de Sam Raimi. Por último la transición sublime, que se hace con “Abby”, cuando ella está en el bar y observa que alguien robó el dinero de “Marty”. El cambio de espacio no se nota, la transición sucede y ella se acuesta, apareciendo en su casa acostada en la cama.

El manejo de los objetos es importantísimo dentro de la historia. Como lo dijo Aristóteles en su "Poética", los objetos son algo que ayuda a construir los argumentos y en la película están presentes. Por ejemplo el revólver, por el cual “Ray” cree que “Abby” mató a “Marty”. Solo por ese elemento, el cual pertenece a ella, se crea un conflicto en “Ray” y ademas esta siempre presente en la historia. Otro objeto, es el encendedor. El detective decide matar a la pareja, porque  piensa que ellos lo descubrieron, precisamente por este elemento; el cual olvido en el bar.

 

Algo para destacar, es que ninguno de los personajes sabe la verdad absoluta. Cada uno tiene una versión de lo que sucedió. Es muy interesante que al final se queden sin saberlo. Por otro lado, también es muy destacable la manera como filmaron el final de la película, ya que “Abby” nunca llega a ver al detective y cree que es “Marty”, le clava la navaja y le dispara sin verlo. Esa línea que dice él es excelente, cuando ella dice: “No te tengo miedo, Marty” y el detective le responde: “Bueno, si lo veo se lo diré”, toda le secuencia en si es perfecta y excelentemente llevada a cabo. Y el espectador también llega a impactarse cuando ve a “Marty” vivo, uno no encuentra una explicación posible para que eso suceda hasta que muestran que es un sueño.

El argumento está lleno de giros, juega mucho con sus personajes y entretiene al observador. Es una historia muy bien trabajada y desarrollada. Por todo esto hay que ver la película, la cual realizaron unos Coen maduros prematuramente y además, se encontrarán con una producción de un nivel superior y que hasta produjo un remake en Japón del mismísimo Zhang Yimou, el cual no es tan bueno como la original.

-No Creo en las propinas... pero sí en el cine-Ash

"Has bailado alguna vez con el diablo

bajo la la luz de la luna?"



7. À L'Intérieur / Inside / El Interior

Ficha Técnica

Dirección:  Alexandre Bustillo - Julien Maury

Guión: Alexandre Bustillo - Julien Maury

Actores: Alysson Paradis, Béatrice Dalle.
Año: 2007
Género: Terror, Gore.


IMDB: http://www.imdb.com/title/tt0856288/

 

 

Cuando tu vida queda destruida para

siempre... Tu hogar ya no es dulce

Sarah: Hay una mujer muy extraña afuera, tienen

que venir rápido muy rápido!. No se qué 

quiera. Sabe mi nombre, sabe todo sobre mi... Estoy embarazada!

Esta es una nueva ola, no se parece nada a la conocida Nueva Ola Francesa de Truffaut, Godard, Chabrol y demás; Pero tiene su origen también en Francia y es contemporanea. El género también es distinto, mientras la Nueva Ola clásica tiende más hacia el drama y trata temáticas sociales, preocupándose por sus personajes; esta nueva ola se tiñe de rojo. Involucrándose profundamente en el cine de TERROR!. Todo surgió  cuando Alexandre Aja dirigió en el 2003 "Haute Tension", comenzando una serie de propuestas cinematográficas violentas, llenas de sangre y gore. A "Haute Tension" le siguió "Frontiers" de Xavier Gens, la cual no logra tan buenos resultados. También aparece "Martyrs" de Pascal Laugier, la cual es una película impactante. "Siete Días" de Daniel Grou, que no es lo que se espera de ella. La magnifica "La Horde" de Yannick Dahan y Benjamin Rocher. Por supuesto encontramos en esta lista a "Inside", que es en la que se centra esta reseña. Son películas que dejan ver el conocimiento y el amor por el terror de estos directores que proponen estos filmes muy interesantes y del que se destaca por encima de todas..."Inside".

Estas películas se desarrollan dentro de un género desprestigiado, desvalorado y que a mucha gente no le llama la atención... o no se la prestan. Ya que sus intenciones y fines son distintos a cualquier otro género, buscando asustar, impactar y mantener "Sufriendo" al espectador. Por otro lado para los amantes de este tipo de cine y los que disfrutamos de él, "Inside" resulta ser un filme abrumador e impresionante y todo un placer verlo. Gracias al excelente trabajo realizado y esfuerzo, notándose esto al ver la película; también debido a su argumento y claro... por sus muy, muy, muy buenos efectos especiales. Estos últimos produciendo placer, realismo y miedo al mismo tiempo; además ayudando a que las escenas, la verosimilitud y el dramatismo sean mucho más reales.

"Inside" es un filme violento y crudo, que rebosa la excentrisidad de imágenes sangrientas y gore. Pero sin llegar a la morbosidad o el simple hecho de mostrar sangre por mostrar, ya que tiene una historia trabajada y compleja detrás de esa visión violenta. Aunque claro está, que las escenas gore causan mucho impacto y están siempre presentes en el transcurso de la película. Por eso este largometraje no está hecho para personas sensibles o que sufran viendo sangre o una película de terror. 

La dirección de la película está bien desempeñada, los debutantes Alexandre Bustillo y Julien Maury realizan un trabajo muy bueno para que los actores vivan las emociones con mucha naturalidad y con buenas interpretaciones. Se nota su mano en el resultado final. Por cierto, no son muchos los actores que aparecen en el filme, porque la mayor parte del metraje se desarrolla en una sola locación (Una Casa). Aunque son pocos los actores, no son pocas las emociones ni los buenos desempeños de estos, sobretodo por sus dos protagonistas: la demente y misteriosa mujer (Béatrice Dalleque) trata de matar a la embarazada (Alysson Paradis), realiza un papel muy bueno, conviertiéndo a su personaje en una mujer oscura, llena de ira y casi inexpresiva. Por otro lado está la mujer embarazada, la cual tiene la desgracia de involucrarse con está otra mujer. ella intenta desesperadamente salvarse a si misma y a su bebé de la cacería que esa mujer emprende en su propia casa. Ella se ve real y expresa muy bien lo que vive su personaje. 

El guión como ya lo expresé es muy bueno, en el fondo de la matanza, aparentemente sin sentido, hay un argumento que además de ser bien hecho... es válido y creible. Escrito por los propios directores, es un guión fresco y que le aporta mucho al género y a los apasionados por el terror. Además de resultar ser un argumento muy interesante, propone un giro dramático al final, resultando ser sorpresivo y bien ejecutado. La historia te mantiene impactado y esperando el climax que se pone cada vez más tensionante y por supuesto... el desenlace, hace que te sorprendas, que te asustes y que pienses. También se desarrolla muy bien a los personajes y los objetivos son claros, haciendo de este un conflicto narrativo eficaz y con buenos resultados. 

Esta película se constituye de una historia posible, que trata sobre la venganza y al mismo tiempo sobre el amor, el amor de una madre que haría cualquier cosa por su hijo...o por conseguirlo como sea. Toca de forma violenta lo que es capaz de llegar a hacer un ser humano cuando está enojado, lleno de odio y de venganza, por tratar de solucionar lo que pasó de algún modo... cueste lo que cueste. Pueden decir que solo ven este tipo de películas "sádicos" y personas sin sentimientos, o que ver estos géneros sería una muestra de morbosidad y que no es cine. Pueden decir que solo busca entretener de forma fácil y sin esfuerzo, sin haber una transfondo en este género, que no hay profundidad, que siempre se recurre a los mismo y está lleno de estereotipos. Puede ser que a muchas personas les cause asco y repudien está forma de hacer cine o simplemente sientan miedo. Pero creo que merece ser tenido en cuenta;  que no todas las películas son iguales; que si se muestran imágenes o situaciones violentas y llenas de sangre no quiere decir que sea algo de morbo o sadismo, porque precisamente el cine sirve para eso... para poder vivir lo que en la realidad no se puede y AHÍ si sería motivo de repudio. En las películas se puede vivir y experimentar eso, porque es ficción y creo que está bien darle una oportunidad al género y entenderlo, dejar de verlo como algo malo y empezar a disfrutarlo. "Inside" es una gran película, impactante y que genera placer en los cinéfilos. Es una propuesta que revitaliza el cine de terror y que por supuesto la reconozco y la destaco aquí porque lo merece. 

- No Creo en las propinas... pero sí en el cine- Ash

- "Todos nos volvemos locos alguna vez" -

 

6. Little Miss Sunshine / Pequeña Miss Sunshine

 FICHA TÉCNICA


Dirección: Jonathan Dayton, Valerie Faris
Guión: Michael Arndt
Actores: Abigail Bresslin, Greg Kinnear, Toni Collete, Alan Arkin, Steve Carell, Paul Dano.
Año: 2006
País: Estados Unidos
Género: Drama, Comedia.


IMDB: http://www.imdb.com/title/tt0449059/



 

Todos Pretenden Ser Normales

Abuelo: Un verdadero perdedor es alguien que tiene

tanto miedo de no ganar que ni siquiera lo

intenta.

Hay películas que resultan ser una gran sorpresa, las cuales uno no se esperaba que fueran tan bien hechas, desarrolladas, con resultados tan buenos o que le llegaran al público tan profundamente. Desde que se comienza a ver "Little Miss Sunshine" empieza a haber una conexión muy especial, hay una armonia entre los personajes y los espectadores. La película resulta ser una obra completa y con unos resultados muy buenos, siendo un filme que transmite una sensación de encanto y que produce empatía con el observador. 

El filme narra una historia sencilla, pero que es mucho más interesante y lúcida de lo que aparenta. La forma como está contada es simple y con una edición normal, ya que lo que importa no es la forma sino el contenido. Un contenido con un argumento fenomenal, que se involucra en la vida de una familia y en los problemas personales de cada miembro de esta, en como tratan de solucionarlos. De cómo gracias a un viaje espontáneo por carretera aprenden a ser mejores personas y a valorarse más. Esta el papá (Greg Kinnear) que solo le interesa tener éxito y siempre piensa en sobresalir, inculcandoles a sus hijos que sean ganadores e imponiendoles condiciones y normas para hacerlo posible. Un tio que es homosexual (Steve Carell), que ha intentado suicidarse varias veces y que está cansado de la vida, sobretodo por problemas de amor. Una madre (Toni Collette) que está en constante preocupación por arreglar las cosas, es reprimida y trata de solucionar los problemas de todos, siguiendo adelante tratando de no perder la calma. Un hijo (Paul Dano) que se siente menospreciado y castigado injustamente, decidió revelarse con su familia y rechazar sus decisiones no hablando, creyendo que la vida no tiene sentido y siendo amargado frente a los demás. El abuelo  (Alan Arkin) adicto a las drogas y aparentando que está bien, con una actitud tozca y frívola. Claro está la niña (Abigail Breslin) en la que se centra la trama, una niña preocupada por lo superficial y que con la influencia de todos, en especial del abuelo y del papá, decide participar en un concurso de belleza. Todos ellos encontraran en este viaje una respuesta a sus problemas y se reconocen a ellos mismos gracias a está experiencia.

El guión está muy bien escrito, es una historia divertida y llena de emociones empaticas. Es un guión que sigue una esctructura clásica, que trata un argumento con mucho desarrollo de personajes, que se mete con las emociones humanas y con una familia que es muy similar a la realidad, la cual puede existir en cualquier parte. Es un guión muy interesante y que lleva la historia en una tensión dramática que va creciendo y que va transformando las mentalidades de los personajes. Es una historia que además de ser divertida y de generar interés, es también muy seria e inteligente. 

Es un filme independiente que eligió el género del "Road Movie" para desarrollarse y ambientarse, de forma adecuada y precisa. El guión lo firma Michael Arndt, el cual es su primer trabajo, realiza un muy buen desempeño y logra un guión excelente. Luego de este, realizaría el guión de "Toy Story 3", realizando otro muy buen trabajo. Fue muy merecido el premio oscar que ganó a mejor guión original.

La dirección está bien ejecutada, sobretodo por el trabajo con los actores y sus interpretaciones. La película está dirigida por dos personas, Jonathan Dayton y Valerie Faris, quienes realizan su opera prima, un muy buen debut cinematográfico y que muestra el talento que tienen y que solo habian mostrado en videoclips y cortometrajes. Con está logran una película interesantísima y que tiene muchas más cosas buenas a reconocer que nagativas para resaltar.

Los actores elegidos para el filme son muy buenos, es un reparto muy destacable. en sus personajes existe una identificación muy grande con el público, siendo también muy verosímiles gracias a sus buenas interpretaciones. Cada actor le aporta su toque personal y significativo. Destacando a Abigail Breslin, quien en esa época no era tan reconocida y que hace un muy buen trabajo. A Greg Kinnear y Toni Collette que hacen unos trabajos creibles y que funcionan a la perfección. Alan Arkin, que es un actor de mucha experiencia, además ganó el premio de la academia por su papel del abuelo. También a Steve Carell, quien además de tener dotes para la comedia, puede hacer papeles dramáticos y más serios. Son personajes muy particulares, cada uno tiene un problema, algo que le aqueja y que lo tiene amargado, desilusionado y descontento con la vida.

La música juega un papel importante dentro de la película también, acompañando muy bien las situaciones y escenas. El trabajo de fotografía vale la pena reconocerlo, los planos y movimientos de cámara son buenos y prácticos, sin nada fuera de lo común, pero son adecuados y bien utilizados. El manejo de la cámara por la carretera y dentro del carro es muy bueno. 

Esta película tardó cinco años para realizarse, debido a problemas de financiación. Después de mucho buscar quienes aportaran dinero, logró estrenarse en el 2006. Es una gran película que cuenta una vivencia de una familia y su busqueda por mejorar y ser unida. Tiene momentos, diálogos y situaciones que logran un nivel muy bueno, que hacen apreciar mucho más lo que se ve y mejorar aún más nuestra opinión sobre la película. El final es muy emotivo e interesante, este mismo y la película en si es una crítica a la superficialidad, a no aceptarnos como somos y a los concursos de belleza. Concursos donde las niñas pretenden ser modelos y mayores, ocultas bajo tanto maquillaje y especatcularidad. Nos muestra que no debemos reprimirnos, que hay que tomar las cosas de un mejor modo, que no hay que preocuparse tanto por lo superficial y que no hay que pretender ser lo que no somos ni querer sobresalir en todo innecesariamente sin sentido. Todo esto se narra en la película con hilaridad y diversión, funcionando perfectamente y transmitiendo muchas sensaciones buenas al observador. 

Es una obra completa y muy sobresaliente. Hay películas que resultan ser una gran sorpresa las cuales uno no se esperaba que fueran tan buenas, resultan siendo grandes filmes, "Little Miss Sunshine" es una de ellas.

- No Creo en las propinas... pero sí en el cine - Ash

- "  Hay gente sin Luz" -

5. Reservoir Dogs / Perros de Reserva / Los Perros de la Calle

Ficha Técnica

Director: Quentin Tarantino

Guión: Quentin Tarantino

Actores: Harvey Keitel, Michael Madsen, Tim Roth, Lawrence Tierney, Chris Penn, Steve Buscemi, Edward Bunker, Quentin Tarantino.

País: Estados Unidos

Género: Thriller

Año: 1992

Imbd: http://www.imdb.com/title/tt0105236/

 

Todo Perro tiene su día

Joe: Él fue el único que no estaba cien por ciento seguro de 

seguir con esto. Yo debi examinarme la cabeza cuando seguí adelante con un plan como este, cuando no estaba cien por ciento seguro.

Mr. White: Esa es tu prueba?

Joe: No se necesitan pruebas cuando se tiene instinto.

Quentin Tarantino es para mi el mejor de los directores del momento, no solo porque creó un estilo y maneja una forma de contar sus historias, única e inmejorable; no solo por sus estupendos guiones, con dialogos insuperables y exquisitos; no solo por crear situaciones en sus películas, llenas de emociones fuertes e impactantes visualmente; no solo porque elige perfectamente sus bandas sonoras; no solo porque gracias a tanta dedicación y amor suyo al cine, hacen de sus películas obras maestras donde cada detalle está muy bien planeado y son en conjunto una suma de perfecciones; sino también porque sus filmes trascienden y van más allá de ser películas del común, conviertiendosen en obras clave del cine y un homenaje verdadero a toda la cinematografía, en especial la serie "B", el cine italiano, el cine japonés, entre muchos otros.

Con cada película Tarantino deja una huella en el corazón de cada cinéfilo y demuestra que su capacidad y talento son innegables y están siempre presentes impresos en sus largometrajes. Sus filmes son especiales y se diferencian de todos los demás, llegando a ser trabajos que sobresalen por todo su contenido y por sus magnificas historias. Con "Reservoir Dogs", su primer largometraje, Tarantino empieza a mostrar su peculiar forma de contar historias y deja notar  al público su gran pasión por el cine, reflejado en imágenes, homenajeando géneros y otras películas con la suya propia. 

La película es muy similar al filme hongkonés "City on Fire" dirigido por Ringo Lam en 1987, tiene varios elementos en su contenido que concuerdan. Esa es la mayor razón por la que critican a la película y en general a Tarantino. A mi parecer él no copia ni plagea de otras películas, aunque él mismo dijo que lo hacia, por lo menos no lo hace de forma obvia o evidente, ya que lo que Tarantino hace realmente es captar lo mejor del cine y aportarle su perspectiva, honrando en este caso al filme de Ringo Lam.

Tarantino plantea una historia intrigante, llena de violencia ( Una marca personal y que se ve en todas sus películas)  y que no sigue el paradigma clásico Aristotélico de escritura, sino que narra lo que pasa fragmentadamente y jugando con el tiempo, como lo haría después en "Pulp Fiction" de 1994. La película es un relato no lineal que se centra en unos delincuentes con presonalidades muy marcadas, lo que define sus carácteres y formas de ser, llevando a tener un desarrollo del guión muy bueno en este aspecto y que hace que la narración obtenga credibilidad y estilo, el estilo Tarantiniano.

El tratamiento que le aporta al filme, es tremendamente bueno, cada personalidad de los personajes que vemos le llega al observador de forma muy directa, mostrando rasgos y formas de comportamiento muy bien definidas y por supuesto desarrolladas. La forma como decidió contar la historia es precisa, acertada y más que adecuada, ya que si se contara de forma lineal no sería tan interesante, pero ahí es donde se destaca Tarantino, con su capacidad para hacer de cualquier historia algo único que sobresale por múltiples razones.

  

El guión es muy destacable, ya había demostrado su talento como guionista, su creatividad e innovación, antes con su guión de "Del Crepúsculo al Amanecer" que realizaría unos años después Robert Rodriguez o con las ideas que vendió para poder financiar su ópera prima, que fueron la historia de "Asesinos Por Naturaleza" de Oliver Stone y el guión de "Romance Verdadero" de Tony Scott. Los dialogos que contiene son excelentes, haciendo que las situaciones sean más disfrutables, dándole también mayor personalidad al relato y más fuerza a lo que se ve.

Con este largometraje Tarantino se dio a conocer, dejó ver su estilo y su forma de dirigir y escirbir. El mundo conoció a un director fenomenal que había iniciado una gran carrera y empezaba a dejar para la historia sus trabajos cinematográficos. Sus críticos se dividen en dos: Los que no les gusta su cine ni su forma de trabajar, lo rechazan radicalmente y afirman que solo tiene como recurso la violencia, plageando o copiando de otras películas. Por el contrario están sus seguidores, los cuales lo tienen en un nivel alto, lo respetan y lo aclaman.

Con muy poco presupuesto y gracias a que Lawrence Bender confió en él y le financió la película, "Reservoir Dogs" se convirtió en un filme muy especial, generador de aficionados a Tarantino, que muestra la esencia de lo que sabe y quiere transmitir y fue uno de los mejores filmes de la decada del noventa. Debido al poco dinero las locaciones y la escenografía no son tan buenos, aunque si muy bien utilizados y eso es lo que importa.

Como ya lo había mencionado en otra reseña, Tarantino escoge muy bien la banda sonora de sus cintas. En este caso se cumple la premisa y la música acompaña a la perfección las imágenes, dándole un mayor y mejor significado a lo que quiere transmitir el director. Escogió canciones muy buenas de los sesenta y setenta, sabiendo en que preciso momentos ponerlas y con que intención. La utiliza magistralmente, sobretodo por dos escenas. Una, al inicio de la película en los creditos, cuando los personajes salen del restaurante caminando. Es sencillamente una escena irrepetible y espectacular. También la usa con los personajes, los cuales sintonizan en una emisora de radio distintas canciones, involucrándolas de una forma muy interesante para cada situación. Entonces la otra escena magnifica es cuando el Señor Rubio ( Michael Madsen) va a torturar al policía (Kirk Baltz) que tienen como rehén, bailando y cantando la canción "Stuck in the Middle With You"de Stealers Wheel, lo que hace a la secuencia aún más excitante y emocionante para el espectador.

Las actuaciones son muy buenas, los actores fueron también muy bien seleccionados por Tarantino. Por ejemplo Harvey Keitel al ver el guión de la película y al notar el interés del director para que participara en ella, aceptó inmediatamente y hasta decidió co-producir la cinta por lo buena que era. Cada actuación tiene algo que destacar y algo significativo y hay que reconocer las destrezas actorales de Michael Madsen (Señor Rubio) como el sádico y aún más violento que los demás personajes; Tim Roth ( Señor Naranja) con un carácter más serio y teniendo que hacer un doble papel (De bueno y de malo) en la película; Chris Penn (Eddie) y Lawrence Tierney (Joe) Son más secos en su forma de ser, petulantes y son los que toman las decisiones; Steve Buscemi (Señor Rosado) como un tipo que no se calla y que provoca a los demás personajes quejándose constantemente y Harvey Keitel (Señor Blanco) que es el más sabio y calmado de todos. Ellos interpretan unos papeles excepcionales, mostrando unos personajes criminales que no se conocen entre si, pero que tienen que trabajar juntos para cometer el "atraco perfecto", un robo a una joyería. Mantienen sus nombres y cualquier información personal anonimos, por este motivo se les asigna unos sobrenombres particulares con distintos colores. Todo va dirigido a que salga mal y resulte en la perdición de ellos. Cada actor se desenvuelve muy bien y creo que cumplieron con lo que quería y buscaba Tarantino.

Varios de los dialogos usados en está película los había usado antes en su primer mediometraje "El Cumpleaños de mi mejor Amigo" del año 1987, el cual no es tan bueno, pero sirvió de aprendizaje a Tarantino para lo que vendría. 

La dirección es impecable, la dirección en general y la de actores como ya lo habia expresado. Él sabia lo que quería y supo poner visualmente su guión, de una manera fenomenal y sabiendo dirigir un proyecto grande con poco presupuesto. Y como en todos sus filmes esta metido e involucrado con el alma y tratando de que cada aspecto de la película sea perfecto y salga bien.

Quentin Tarantino logra una película de gangsters diferente, que supera de lejos a "City on Fire" y con su toque personal. "Reservoir Dogs" es una película imperdible que genera muchas sensaciones buenas en el espectador y que lo mantiene por 99 minutos inquieto, disfrutando y atento. A mi consideración es uno de los mejores filmes del director y que vale mucho la pena ver.

 - No Creo en las propinas... pero sí en el cine -  Ash

- "Qué es lo que hace hombre al hombre?, no son 

sus origenes, no es la forma en la que llega al

mundo, son las decisiones que toma." -

 

4. Dogville

Ficha Técnica

Director: Lars Von Trier
Guión: Lars Von Trier
Actores: Nicole Kidman, Paul Bettany, Lauren Bacall, Patricia Clarkson, Stellan Skarsgard, Udo Kier.
País: Dinamarca
Género: Drama
Año: 2003


 IMDB:  http://www.imdb.com/title/tt0276919/

Un pequeño pueblo calmado no lejos de aquí

Grace: Pienso que el mundo sería mejor sin Dogville

Esta película se sale de lo conocido, lo establecido y lo visto en el cine y va más allá, llegando hasta el punto de ser un homenaje puro y verdadero del teatro. "Dogville" es una obra que posee una narrativa única y muy especial, empleando muy bien el escenario donde se desarrolla la historia, mostrando a su vez la creatividad y versatilidad del director para contar historias crudas, que buscan siempre resaltar por ser diferentes y no quedarse en un mismo género o estilo. Lars von Trier intenta con cada película reinventarse y realizar films que se salen de lo común y visto hasta ahora.

"Dogville" hace parte de la trilogía de America, es la primera de tres, luego de haber realizado una de Europa. El film sobresale por la forma como está contada, pero sobretodo por su gran originalidad en su desarrollo. El recurso de utilizar una escenografía teatral y plasmar toda la historia en el mismo lugar, hacen de esta, una película que impacta y provoca en el espectador mucha curiosidad por lo que ve, manteniéndolo a la espera de lo que sigue a continuación.

El pueblo de Dogville está pintado en el suelo, un suelo y fondo negros en el que se desenvuelve el guión. El hecho de que sea verosímil y creible a la persona que lo ve, está en manos de los actores, los cuales según la historia planteada, actuan de forma natural en medio de paredes invisibles y logran crear un ambiente al que el onservador se va acostumbrando, dejándose atrapar por la narración. Además el espectador se ve obligado a usar su imaginación, pensando en que formas tienen los elementos, un perro que tienen de macota o las peredes del lugar.

Lars Von Trier es un director que causa mucha polémica con sus películas y no a todas las personas les gusta sus historias. La principal causa de por qué "Dogville" no es bien recibida por el público es por su duración excesiva y por su ritmo lento. A mi parecer la historia es tan atrapante y buena que la duración no tiene importancia, ya que uno permanece concentrado y siguiendo la historia hasta su final sin distracciones o aburrimiento. En cuanto al ritmo, es el apropiado y que va de acuerdo al guión, que sirve muy bien al relato y que a pesar de ser lento, no hace que la pelicula lo sea.

El director danés, es uno de los mejores de la actualidad y demuestra trás cada película nueva que no le interesa quedar bien ante nadie, realizando cintas muy personales y con un estilo que se caracteriza por no tener uno, además de tener una capacidad creativa y de recursos visuales y narrativos muy originales. Von Trier con esta película busca entrometerse en la crueldad humana, las bajezas y comportamientos primarios de una pequeña comunidad, donde sus integrantes son llamados metaforicamente "perros". Se adentra en contar la historia en Estados Unidos, con un pueblo de clase baja, muy rústico y con creencias tradicionales y conservadoras. 

El guión está estructurado según el paradigma clásico, pero siendo a su vez, gracias a su contenido y a la forma como está contado, una historia dieferente y muy bien hecha. El film está narrado muy literariamente, fragmentado en un prólogo, unos capítulos y un epílogo. Los Cuales estás apoyados en intertitulos con introducciones hacia lo que va a pasar en cada capítulo y son relatados todos en conjunto por una voz estupenda, que es la de John Hurt.

El director realiza un muy buen trabajo, llevando a los actores a desenvolverse en un entorno muy simple, pero que los obliga a tener una capacidad interpretativa mejor y una movilidad coordinada, planeada y bien ejecutada dentro del escenario. Se utiliza un fondo negro para las escenas nocturnas, el cual resalta a los personajes y los hacen aún más perceptibles. En oposición, para las escenas diurnas, se usó un fondo blanco, el cual contrasta con el otro. Este es el único cambio visible en el pueblo y en la dirección artística, ya que todo transcurre en el mismo espacio, donde nada es oculto al observador, pero si a los personajes.

El guión como ya lo he expresado, se destaca por ser original, aunque también por el tratamiento de los personajes y los hechos que les suceden, sobretodo del personaje principal Grace (Nicole Kidman). Un tratamiento que tiene mucha profundidad y que tiene un muy buen desarrollo de cada personaje, dejando ver una personalidad muy clara para cada uno, unos rasgos bien definidos y unas transformaciones personales muy marcadas. El personaje protagónico es de nuevo una mujer que sufre muchas contrariedades, que es introvertida y sumisa hacia los demás, casi sin protestar y sin reacciones, hasta llevarla a tomar al final de la historia una decisión definitiva y trascendental que la afecta a ella o a los demás personajes, como lo habiamos visto en "Bailarina en la Oscuridad" del año 2000.

Para todos los actores vale la pena un reconocimiento por sus desempeños, son actores y actrices con mucha experiencia cinematográfica y en el caso de Stellan Skarsgard, familiarizado con la forma de trabajar de Von Trier por trabajos anteriores. Nicole Kidman hace un papel muy bueno, sabiendo demostrar lo que vive Grace, mostrando con una gran interpretación a una mujer pasiva, calmada y sumisa. La atención se centra en este personaje, el cual es perseguido por gangsters y no sabemos hasta el final del largometraje los motivos y la razón por la que ella escapó y se esconde de ellos. Cabe destacar también a Lauren Bacall, actriz del cine clásico de Hollywood, con la que Von Trier contó para está película. También son importantes los trabajos de Paul Bettany, Patricia Clarkson, Ben Gazzara y en general todos. Mostrando en sus personajes una transformación en sus pensamientos, donde van sacando lo peor de ellos y lo dirigen todo hacia Grace.

"Dogville"es una película muy literaria, que hace parecer que estamos leyendo un libro, el cual vamos imaginando y visualizando en la pantalla. El film se convierte en una obra maestra de Lars von Trier, donde se unen un conjunto de aspectos destacables, sobresaliendo especificamente la dirección y el guión. Es un filme que hay que ver y tener en cuenta para conocer una propuesta distinta y la cual es un largometraje completo con un resultado perfecto, con un desenlace inquietante y que te deja pensativo, pero que es adecuado y coherente a la historia.

- No Creo en las propinas... pero sí en el cine - Ash

- "En la ausencia de luz, la oscuridad prevalece"-

3. Los Cronocrímenes / Rewind / Timecrimes

Ficha Técnica

Director: Nacho Vigalondo

Guión: Nacho Vigalondo

Actores: Karra Elejalde, Nacho Vigalondo,Candela Fernandez, Bárbara Goenaga

País: España

Género: Suspenso

Imdb: http://www.imdb.com/title/tt0480669/

Un viaje de regreso en el tiempo...

Del presente al crimen

Héctor: Necesito que hagas algo... luego te lo explicare

Mujer del Bosque: Por qué no me lo explicas ahora?

Héctor: No es fácil de explicar

"Los Cronocrímenes" fue una sorpresa muy grata e impactante cuando la vi por primera vez. Es una película que sorprende por su original historia y porque es una trama que te envuelve y no te libera hasta el final. Se está tan pendiente de lo que va a pasar que solo puede haber atención sin distracciones, gracias a los giros propuestos en el guión, a la intriga y al suspenso que se maneja narrativamente. El filme español recrea un mundo creible y al mismo tiempo fantástico, se nota al instante el gusto del director por la ciencia ficción y los relatos que tienen que ver con el viaje en el tiempo y las paradojas temporales. La historia planteada en el filme es muy interesante, es diferente a las demás películas, saliéndose de los estereotipos y además muestra una perspectiva de un director muy creativo y que busca realizar una película distinta e inteligente.

El joven director Nacho Vigalondo ya habia mostrado que tenia mucho talento en sus primeros trabajos en un formato que respeta y en el que está muy involucrado, el cortometraje. Sus primeras insinuaciones de gran contador de historias, creativas e innovadoras, demuestran su capacidad de director y la facilidad que tiene para mantener un hilo conductor que mantiene al público siempre atento y concentrado. Cortometrajes como "Domingo", "Choque", "Marisa" o "Cambiar el Mundo", mostraban ya su talento. Donde era capaz de narrar historias fascinantes y que destacaban por la sencillez con la que contaba cada relato, siendo a su vez relatos muy innovadores y que resaltan por encima de todo, por una gran creatividad. Se captaba con facilidad que podía hacer de una situación cotidiana y común, un relato ficticio con elementos narrativos muy bien pensados y demasiado originales, como se percibe en su corto "Codigo 7". Pero los cortometrajes que resaltarian toda su capacidad serían "7: 35 de la Mañana" un trabajo nominado al Oscar y que muestra en él todo lo necesario para ser un buen director de cine. El otro corto es "El Tren de la Bruja", donde trabajó como co-guionista junto a Koldo Serra y el resultado es un guión muy original y atrapante.

Nacho Vigalondo realiza en "Los Cronocrímenes" una opera prima muy especial y que provoca unos resultados muy buenos. El papel que realiza el director es oportuno, sabe manejar a los actores y se capta por parte del espectador que tenía muy claro lo que quería, sabiéndolo demostrar en imágenes y en su narración. Se entreve el desempeño del director en los planos y movimientos de cámara de la película, los cuales son estilizados y finos, sin pretenciones, manteniendo una estética sencilla pero eficaz. Este primer largometraje del director español transmite una sensación de que la realización de una película es fácil y sencilla, una sensación lograda gracias a lo planeado que fue su pre-producción y el guión.

Algo a destacar es que la historia juega con la mente del observador. Al principio pareciera que es otro tipo de película, de otro género y que no tenía nada que ver con lo que resulto siendo. Pareciera que al comienzo era un "Slasher" y que iba a abordar el terror, pero va transformandose hasta llegar a ser un thriller y con una temática totalmente distinta.

La principal actuación a destacar es la de Karra Elejalde, quien interpreta a Héctor y el cual es el encargado de llevar todo el peso de la trama. Su personaje se va metiendo cada vez más en problemas que intenta desesperadamente resolver. Esa suma de circunstancias hacen que su vida cambie por completo, teniendo que vivir algo que nunca pensó que iba a experimentar. El actor sabe interpretar muy bien el rol y las transformaciones que va sufriendo. Nacho Vigalondo actua también en la película, es este campo no se destaca tanto y hace un papel aceptable, pero se percibe claramente que no es un actor profesional, igual no lo hace del todo mal y se tiene en cuenta su esfuerzo. Las demás actuaciones, de Candela Fernández (La esposa de Héctor) y de Bárbara Goenaga ( Chica del Bosque), están bien ejecutadas, pero no sobresalen tanto y pasan a un segundo plano.

El guión es magnifico y más que interesante. Vigalondo lo reescribió once veces antes de tener el guión final. Es indudable que fue muy preparado y bien escrito, ya que hay una complejidad y creatividad que se resaltan y son muy sobresalientes. Hay una sincronización perfecta entre los sucesos que van pasando y no hay errores de continuidad perceptibles a primera vista. Es una historia llena de giros dramáticos y que juega con los personajes, haciéndolos vivir y entrar en un mundo fantástico y desconcertante, donde todo puede pasar y hay que estar atento a cada detalle que surge para comprender lo que sucede.

Los escenarios por los que se desarrolla la película, son muy bien utilizados por los personajes. Son unas locaciones que sirven muy bien para la historia y que hacen resaltar también la parte estética del filme.

( Spoiler)   La película se centra en el viaje en el tiempo, lo mejor de todo es que Héctor solo viaja una hora al pasado y en tan solo ese corto tiempo que viajó, produce cambios trascendentales y drásticos en su vida y la de los demás personajes, encontrándose también con réplicas suyas y a las cuales debe  persuadir para que hagan lo mismo que el hizo y no se produzca una ruptura espacio-temporal. Las paradojas temporales son un tema muy interesante para trabajar, pero requiere un tratamiento muy pensado para que sea creible y tenga verosimilitud, como en el caso de "Los Cronocrímenes". Vigalondo trata el tema de viajes en el tiempo de una forma muy señida a las teoria que existen y es capaz de resumirlo todo en una sencilla explicación que sale en una escena, donde Vigalondo ( El joven) explica con un dibujo (Catáfora) todo lo que está sucediendole a Héctor y lo que implica viajar en el tiempo. (Fin Spoiler).

En mi opinión es una de las mejores películas que tratan el tema del tiempo y uno de los mejores largometrajes de España, sin importar el hecho que se haya realizado con bajo presupuesto y que no haya tenido tanta difusión mediática. Por el contrario hay que destacar que con poco dinero se hizo una excelente película. Por supuesto en la actualidad se está trabajando en Hollywood en su remake, el cual creo que no llegará a superar a la película original. El filme muestra un gran futuro para Nacho Vigalondo y entra a distinguirse como una de las mejores del año 2007. Es una gran exponente de la cinematografía española, espero con ansias los próximos proyectos del director, que son "Extraterrestre" y "Followers", Ojalá siga en la misma linea de su primer producción y siga revelando su talento, mientras tanto se puede repetir y repetir "Los Cronocrimenes" para lograr entender mejor la trama y disfrutar de ella cada vez, ya que uno no se puede cansar de verla.

- No Creo en las propinas... pero sí en el cine - Ash

- " El único crimen perfecto no es aquel que se queda sin

 resolver, sino el que se resuelve con un falso culpable" -