16. Opera / Terror at the Opera

Ficha Técnica

Dirección: Dario Argento
Guion: Dario Argento
País: Italia
Año: 1987
Actores: Cristina Marsillach, Ian Charleson, Daria Nicolodi, Urbano Barberini.


IMDB: http://www.imdb.com/title/tt0093677/

Una estrella nacerá esta noche... sobrevivirá para mañana?

 

 

 

 

Asesino: “Si tratas de cerrar los ojos, te desgarrarás los parpados, así que tendrás que verlo todo”.

 

 

Un asesino suelto con guantes negros y sed de sangre, las personas detrás de un espectáculo de ópera (las víctimas), un lugar cerrado (adecuado para matar), corredores oscuros, la presencia de los cuervos, un policía que investiga las muertes, ¿Quién es el asesino? ¿Quién está detrás de la máscara?; esto es sin duda la trama de un Giallo, y no cualquiera, sino uno de Dario Argento, uno de los padres del cine de terror moderno, influyente e innovador dentro del género y que deja para los amantes del horror, “Opera”, un obra importante dentro de su filmografía creada dentro de su periodo de grandes largometrajes.  La película no está dentro de las más conocidas o dentro de las mejores y más sobresalientes del veterano realizador, pero es una pieza más que destacable, no tanto por su guion o por la historia en si, sino por la atmósfera que crea, los estupendos movimientos de cámara, las sorprendentes muertes y el suspenso que genera en el espectador, por lo que se torna una obra impactante visualmente y que genera recordación dentro de los cinéfilos que gustan del terror.

El argumento se centra en un teatro antiguo, donde la principal estrella de la función de ópera, se accidenta de forma extraña y una joven actriz (Betty) tiene su oportunidad de destacarse y hacerse conocer, de salir del anonimato. La obra que representan es “Macbeth”, con la música y arreglos del reconocido compositor Giussepe Verdi y basada en la obra de William Shakespeare, la cual tiene la fama de estar maldita (incluso en la producción de la película, debido a que uno de los actores murió en plena época de rodaje). Una noche cuando se presenta la obra y en medio de la escenografía tétrica del espectáculo, aumentada con la presencia de los cuervos, un asesino empieza a matar a las personas alrededor de la joven artista. El asesino tiene la oportunidad de matarla en cualquier momento, pero en lugar de ello, la obliga a visualizar los asesinatos, como si se tratara de una venganza y un odio profundo hacía ella.

 

 

 

Dario Argento, todo un ícono dentro del género, realiza una película sobresaliente, su trabajo como director resulta eficaz y transmite esa pasión suya por este tipo de cine, aportándole su toque personal y característico a cada detalle del filme. Es de destacar que Argento siempre haya tenido la facilidad de realizar sus obras como él quiere, sin tantas restricciones, que en la mayoría de ocasiones, hacen parte de cualquier largometraje y de cualquier género. En este caso en particular, el director experimenta con los movimientos de cámara, con la sensación visual que se transmite al observador, creando un filme personal propio de su estilo. También, el director con el fin de ayudar a la generación de la tensión, trabaja muy bien el arte de la película, el vestuario y la escenografía en sí; las locaciones escogidas funcionan a la perfección para la intención del argumento y los actores utilizan bien estos espacios. El toque del director, se evidencia también en el uso de la musicalización, ya que se usa el Heavy Metal (junto con canciones de Claudio Simonetti, colaborador constante de Argento y las canciones propias de la obra que se representa) para acompañar a las escenas de las muertes (como ya se notara en “Demons” de Lamberto Bava, producida y escrita por Argento), con agrupaciones como “Norden Light” o “Steel Grave”, con canciones que complementan muy bien las imágenes. Además dentro de su estilo, y en contraposición a películas comerciales y que manejan una narración clásica o estereotipada, el director implementa también un recurso narrativo y a la vez metafórico, como ya lo hiciera en “4 mosche di velluto grigio” (Cuatro Moscas Sobre el terciopelo Gris, de 1971), donde al principio del filme utiliza la imagen en fondo negro de un corazón que palpita. En el caso de “Opera” hace algo similar, pero en lugar de un corazón, muestra un cerebro, cuando se está mostrando al personaje de “Betty”, como si se estuviera expresando una especie de locura, un  trauma que está sufriendo el personaje, debido a lo que vive y sufre a lo largo de la película; algo que por su parte, sería una explicación coherente del final, ya que luego de todo lo que vivió, de lo que sufrió, “Betty” termina por perder la cordura, no importándole lo que sucede en el desenlace.

 

La actriz que más se destaca, debido también a que es la protagonista y su presencia en pantalla es mayor, es Cristina Marsillach, logrando expresar el miedo que sufre su personaje, debido al asesino suelto y que la acecha constantemente. Aunque su personaje, desde el punto de vista del guion es algo ambiguo, ya que no se precisa la forma de ser de ella, o la forma de pensar, porque pareciera que la presencia del asesino y el pasado de su madre (no aclarado completamente), hacen que ella este sufriendo un trauma intenso en su mente, o es lo que sucede es debido a que no es un personaje bien configurado. La joven actriz en ese entonces, según el director, fue la más complicada con la que trabajó, pero aun así brinda un trabajo actoral decente, así como la exesposa de Dario Argento, Daria Nocolodi, que aunque no aparece mucho tiempo en el filme, se le nota la madurez profesional a la hora de abordar su papel. Ella aceptó el rol de “Mara”, solo por la escena de la muerte de su personaje, la cual creía que impactaba mucho y estaba sumamente bien configurada, por lo que hizo caso omiso a su tortuosa relación  pasada con Argento y se integró al reparto. Los demás actores por ocasiones se notan algo forzados en sus actuaciones, por eso no alcanzan tan buenos resultados.

El guion escrito por el propio Argento, como lo ha hecho en la mayoría de sus obras, resulta algo irregular. Ya que por ejemplo, el recurso de tener varios sospechosos de los asesinatos, no es utilizado correctamente, porque no existen muchas opciones. Los posibles asesinos se limitan a tres personajes, el director de la obra (con el cual eso si, hay una escena muy interesante, en la que dice haber visto al asesino afuera de la casa, creando la duda en el espectador), el cual parece basarse en el propio Argento; el ayudante de “Giulia” (que se supone trabaja bajo las ordenes de ella para vengarse porque “Betty” consiguió el papel en la obra) y el policía (el cual es el candidato más obvio), resultando ser este último el asesino. También muchos diálogos no sobresalen, pareciendo no hacer parte de la película misma, debido a que no son contextualizados o simplemente son algo absurdos. Pero en general, el argumento resulta llamativo y es adecuado situar un Giallo en un teatro y una función de ópera, porque es un escenario presto para matar. Otro aspecto destacable es el del uso de los cuervos, los cuales tienen una relación metafórica con la muerte y hacen parte del género desde siempre (por ejemplo en el cuento corto de Edgar Allan Poe, del que Argento es admirador), por lo que su presencia durante toda la historia es acertada. Las muertes, así como el hecho de que el asesino atrape a la actriz y la obligue a ver los asesinatos, no permitiéndole que cierre los ojos por medio de unas agujas, es algo también importante dentro de la narración. Esa idea (de las agujas en los ojos) aparece de una broma del propio Argento, en la que decía que le disgustaba que los espectadores dejaran de mirar en las escenas violentas o gore de las películas, por lo que deberían de ponerle agujas en los ojos y obligarlas a ver. Algo que resulta ser otra buena idea, es la secuencia en la que se usa a los cuervos para que identifiquen al asesino, debido a que ellos (como se expresa en la propia película), recuerdan por siempre a la persona que les hace daño. Así como otro elemento destacable, es el de la niña, que observa a “Betty”desde los conductos de aire acondicionado y que, al no mostrarse primeramente su identidad (solo se muestra una sombra), se genera la sensación de que es el asesino el que vigila permanentemente al personaje, por lo que resulta ser un recurso narrativo eficaz y sorpresivo. El final como se expresaba anteriormente, resulta algo ambiguo, pero tiene una explicación de por qué se hizo de ese modo, se basó en el final del libro “Red Dragon” de Thomas Harris, del cual Argento es admirador. También el director decide utilizar el final del libro mencionado, porque al ver “Manhunter” dirigida por Michael Mann en 1986 basada en dicha obra, no le gustó que se cambiara el final, por lo que Argento toma la decisión de implementarlo en “Opera”. Al final, los elementos positivos opacan un poco a los negativos, resultando ser un guion aceptable y donde lo que prima, es lo visual.

La dirección de fotografía, que de la mano de director de arte y el director, está sumamente bien realizada, logra planos estupendos. La presencia de travellings o dollys que muestran los espacios, que utilizan bien las locaciones y que generan la sensación de susto en la persona que ve, son algo que termina siendo muy llamativo dentro de la narración visual. Las subjetivas de los personajes, especialmente del asesino,  son otro elemento importante, lo cual por medio de este recurso, se puede experimentar lo que hace el asesino, sin necesidad de mostrarle la cara. Además la subjetiva hace que haya una mayor identificación con el espectador, que viva más a fondo lo que sucede en pantalla y por algo, se utiliza en múltiples ocasiones dentro de obras del mismo género.  Un plano brillante, es el paneo aéreo, que sirve de subjetiva de un cuervo, y que resulta supremamente bien utilizado, además de visualmente bello. También el plano inicial de los ojos de los cuervos, el cual refleja lo que sucede al frente de ellos y lo que está viendo el propio cuervo. El plano de la muerte de “Mara”, es quizá uno de los mejores de todas las películas de Argento. La mujer se para en frente de la puerta y el asesino dispara, se muestra la bala que traspasa el ojo de pescado de la puerta y se ve que atraviesa la cabeza de ella, además de impactar en el teléfono (con el cual, “Betty” se disponía a llamar a la policía). Este es sin duda un momento único en la película, una secuencia de planos excelente y una de las que generan mayor recordación.

“Opera” resulta ser una obra importante, especialmente para los seguidores del director y para los amantes del género, debido a forma como está filmada y a todos los elementos destacables ya mencionados. Por lo que el uso del gore para mostrar las muertes, resulta ser un trabajo brillante (no para cualquier persona que vea la película), característico del cine italiano y con unos efectos magníficamente logrados, ya que son verosímiles, dando la sensación de realidad.  De este modo, la obra se centra en la época de trabajos brillantes de Dario Argento, ya que en la actualidad y desde los últimos años, sus películas no tienen la misma magia, el mismo nivel que sus obras de las décadas de los setenta, ochenta y algunas del noventa. "Opera" no es de los filmes más reconocidos del realizador, no es un trabajo completamente perfecto, pero es un filme que siempre estará en la mente de los cinéfilos y que resulta ser de los mejores trabajos del director italiano.

 

 

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- No Creo en las propinas... pero sí en el cine- Ash

"Un día cerrarás los ojos y cuando los abras, yo estaré ahí...

será tu hora de morir"

 

 



15. El Aura

Ficha Técnica

Dirección: Fabian Bielinsky
Guion: Fabian Bielinsky
Actores: Ricardo Darín, Dolores Fonzi, Pablo Cedrón
País: Argentina
Año: 2005



IMDB: http://www.imdb.com/title/tt0420509/

 

 

 

 

Esteban: “Unos segundos antes yo ya sé que voy a tener un ataque, hay un momento, un cambio. Los médicos le dicen aura. De pronto las cosas cambian. Es como si, el mundo se detuviera y se abriera una puerta en la cabeza que deja pasar cosas”.

Diana: “¿Qué cosas?”

Esteban: “Ruidos, música, voces, imágenes, olores, olor a escuela, a cocina, a familia. Y ahí sé, que no se puede hacer nada para evitarlo, es inminente. Es horrible y perfecto, porque durante esos segundos sos libre. No hay opción, no hay alternativa, nada para decidir, todo se ajusta, se estrecha y uno se entrega”.

 





Cuando se habla del cine de Latinoamérica no es común encontrar cintas de género, por lo menos en una gran mayoría, ya que muchas de las películas que se hacen, son de carácter independiente, de autor y se centran más que todo en el género de drama o el documental. También en muchas ocasiones, estas películas muestran la realidad que se vive (cualquier país del continente), siendo en múltiples veces el tema central, los problemas sociales, las historias fieles a lo que sucede en realidad y los personajes basados en personas cotidianas. Por lo que es difícil poder encontrar un filme de género, que se focaliza esencialmente en la ficción y que resulta ser una obra madura, seria y sobresaliente. Sin duda alguna. “El Aura” es una de las mejores películas de Argentina, no solo de tiempos recientes, sino de la historia de su cinematografía. Esto es posible expresarlo, debido a la gran calidad con que fue realizada, a un director innovador dentro del género en esta región, a un guion magnifico y al cuidado de cada detalle, por lo que el producto resulta ser el mejor.

La película cuenta la historia de “Esteban”, una persona vacía, sin expresión y sería, el cual siempre ha estado interesado y atraído por el crimen, pero nunca se ha animado a hacer algo. Después del abandono de su mujer, decide ir con su amigo a una cabaña en un sector rural, donde se encontrará de frente con el crimen y donde terminará por meterse de lleno en él, sin importar las consecuencias.

El director Fabian Bielinsky contó en su carrera solamente con dos largometrajes como realizador, “Nueves Reinas” del 2000 y “El Aura” del 2006. El realizador argentino trabajó gran parte de su vida dentro de lo audiovisual en la publicidad y la asistencia de dirección de otros directores argentinos, hasta que en 1999, por fin un guion suyo fue ganador de un concurso, donde consiguió fondos para rodar su ópera prima. Luego de cosechar numerosas y merecidas críticas positivas, se encaminó a realizar su segunda película. Posteriormente, a los 47 años de edad, murió de un infarto en Brasil, cuando se disponía a realizar un trabajo publicitario. Es muy difícil poder decir que con tan solo dos trabajos cinematográficos, se hable de un excelente director, de películas de una calidad admirable (contenido y forma) y de uno de los mejores directores del país suramericano, pero debido a su trabajo y esfuerzo, se merece ese reconocimiento y es claro que sus futuros proyectos dentro del cine, hubiesen seguido por la misma senda.

 

 

En el caso particular de “El Aura”, se nota la maestría adquirida a lo largo de los años por el realizador, ya que cada aspecto, por pequeño que sea, está sumamente cuidado y se infiere de inmediato, su toque en cada escena y secuencia de la película. Teniendo en cuenta el detrás de cámara del filme, se puede denotar la dedicación y pasión con la que tomaba cada escena, siendo quizá una de sus mejores cualidades el trabajo actoral. Sus indicaciones están presentes en todo momento, por lo que además todos los integrantes de la producción, se contagian de esa pasión y todos están encaminados a que resulte un buen producto.

El propio Bieliensky escribe el guion, el cual resultó de una mezcla de ideas que venía trabajando hacia mucho tiempo, siendo la idea principal, escrita varias décadas atrás. No hay una sola escena que sobre, ni una que falte, cada una muestra lo necesario y va de acuerdo con el estilo en que se narra, ya que nada se queda sin explicar al final y lo que no necesita explicación, se insinúa. El estilo de la película es pausado y se maneja un ritmo lento (por lo que no cualquier persona, la encontraría aceptable de ver), pero es un ritmo que va de acuerdo con la mente del personaje principal y resulta preciso para la narración, pasando desapercibido, se comprende de esta forma la intención con la que es utilizado. El argumento se basa en el cine clásico, llegando a ser una especie de Film Noir argentino, donde el crimen y sus consecuencias están siempre presentes en la historia y el protagonista resulta involucrado en él. No hay una “mujer fatal” (característica en el cine negro) en sí, pero hay una mujer que interactúa con “Estaban” y resulta ser con la persona con la que más habla en la película, con la que se confiesa y expresa lo que siente. Por supuesto, los personajes están bien configurados y escritos, hay una notable tridimensionalidad en cada uno (especialmente el aspecto psicológico) y todos ellos presentan personalidades trabajadas y planeadas. “Esteban” es un hombre callado, que tiene una memoria prodigiosa y esto beneficia el hecho de un posible crimen, ya que está en la capacidad de pensar en cada detalle para que nada salga mal. Pero tiene una condición que ha ayudado posiblemente a adquirir una personalidad fría y sin interés aparente por nada, ya que sufre de epilepsia y puede desmallarse en cualquier momento. Hubo varías ocasiones en las que se imagino cometer el atraco perfecto, en las que en su mente todo funcionaba y salía bien, pero cuando ve la oportunidad y finalmente resulta involucrado en un crimen (el robo al casino), no sale como pensó (ya que se quiso involucrar más por experimentar, aunque parecía todo muy planeado), ya que no sabía todos los detalles del robo. Solo en el final, cuando se imagina matar al hombre que lo persigue y decide hacerlo, todo sale tal como ocurrió en su mente, puede ser, debido a que es la única vez en la que él está bajo control de la situación, no hay intermediarios y no hay nada planeado por alguien más. De este modo es un personaje que se sale de la rutina, cruza una línea que lo separa del crimen y debe afrontar lo que sucede luego, pero en medio de todo, no sufre una alteración aparente, no tiene miedo y no le importa llegar a asesinar. Su vida no le importa y solo es libre en los momentos previos a los ataques epilépticos, donde experimenta un gozo profundo, donde el mundo alrededor suyo se detiene y sus sensaciones se elevan (el aura), haciendo que sienta una vida feliz donde no tiene que hacer nada, solo sentir y disfrutar del momento.  

 

 

 

 

Por otro lado hay situaciones que expresan muy sutilmente el guion bien estructurado, como el hecho de no mostrar a la mujer de “Esteban”, ni el momento en que lo deja, debido a que todo se muestra sin necesidad de palabras, solo con mostrar una carta, ya se sabe lo que sucede y esto aporta además a las motivaciones personales del personaje principal. De este modo el guion está bien estructurado y el argumento toma gran importancia para poder llevarlo a la imagen de manera fácil y sencilla.

Muchos elementos narrativos y estéticos resultan ser metafóricos y relacionados con la mente de “Esteban”, por ejemplo el perro, que encuentra en la cabaña, parece ser él mismo, ya que nunca se le oye un ladrido, no le importa tampoco asesinar (en una escena se muestra que es él, quien mata a las ovejas del vecino) y su mirada profunda parece cuestionar por momentos a “Esteban”, pero al final resulta siendo un cómplice suyo, lo entiende. También los paisajes y escenarios por los que se desarrolla la historia, resultan ser adecuados para el tipo de narración y la personalidad de “Esteban”, además de ser bien utilizados y ser estéticamente bellos. Por eso además del excelente trabajo del realizador, el desempeño de Checco Varesse es estupendo, ya que los planos son prolijos y hay la mezcla perfecta de planos fijos y movimientos de cámara adecuados. Por ejemplo se utiliza un recurso visual de manera excepcional, en la transición en la que se muestra a “Estaban” sentado, pasando de una cama a una silla del aeropuerto y de ahí al asiento de un avión, para luego pasar al asiento de un auto, sin que se note el corte y aparentemente permaneciendo en la misma posición en cada lugar (mientras además, el personaje muestra una tristeza profunda, una inexpresividad absoluta y una sensación de desolación abrumadora).

Ricardo Darín parece salir en toda producción argentina, aunque lo cierto es que su trabajo actoral así lo ha permitido, siendo un actor con múltiples trabajos no solo en su país natal, pero siempre mostrando excelentes desempeños. En “El Aura” su interpretación es precisa y efectiva, mostrando de forma adecuada el carácter y personalidad de “Esteban”, transmitiendo también una empatía con el espectador y reflejando una persona astuta, sin expresión y  sin motivaciones, más que la de cometer el crimen (no por el dinero, sino por saber que fue capaz de hacerlo). Los demás actores realizan un muy buen trabajo también, acompañando a la perfección a Ricardo y todos en función del guion.

“El Aura” es una gran película, la cual muestra un tipo de cine que poco se trabaja en Latinoamérica, pero que abre las puertas para que otros realizadores lo hagan, además muestra que se pueden hacer películas de género y de ficción, manteniendo la calidad, la creatividad y la originalidad.

 

 

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- No Creo en las propinas... pero sí en el cine- Ash

"Me encantan estos momentos de calma antes de la tempestad... siempre me recuerdan a Beethoven"

 

 

 

 

 

 

Edición # 4 Revista 24 Cuadros Por Segundo

 

 

Link de Descarga y blog: http://veinticuatrocuadrosporsegundo.blogspot.com/p/descargar-revista.html

En esta ocasión el enfoque selectivo se centra en el director francés Michel Gondry, su trabajo en los largometrajes, cortometrajes, documentales y en el video musical. Además las secciones “Del Libro a la Pantalla” (adaptaciones de libros), “Expreso Asia” (cine asiático), “El Legado de Sangre” (Slasher), “Comic-Cine” (adaptaciones de comics), estrenos, entre muchas otras más.

Allí pueden encontrar las primeras ediciones, las películas que se han reseñado y la sección “Secuencia Perdida”.

Ash.

14. Inglourious Basterds / Bastardos Sin Gloria / Malditos Bastardos

Ficha Técnica

Director: Quentin Tarantino
Guion: Quentin Tarantino
Actores: Christophe Waltz, Brad Pitt, Melanie Laurent.
País: Estados Unidos, Alemania
Año: 2009

imdb: http://www.imdb.com/title/tt0361748/

Si se necesitan héroes, enviamos a los bastardos

 

 

Créditos: Erase una vez en la Francia Ocupada por los nazis.

 

A pesar de las críticas que siempre seguirán persistiendo, en cuanto a la labor del director Quentin Tarantino, es necesario aclarar que su trabajo y su obra en el cine va más allá de la simple copia, homenaje o inspiración de otras películas, ya que él es un gran realizador por muchos otros elementos que lo convierten en uno de los mejores realizadores actuales y de la historia del cine, teniendo como prueba de ello sus obras cinematográficas. Sus películas se convierten en creaciones sumamente cuidadas en cada aspecto y en trabajos cinematográficos únicos, que demuestran por si solos su estilo, maestría y genialidad. La fotografía, la dirección de arte, la edición, la musicalización, las actuaciones, la identificación con los espectadores y personajes, el aumento de tensión dramática, el manejo de un estilo visual propio, la armonía de múltiples aspectos dentro del proceso creativo, la rigurosidad de cada plano y especialmente el guión, son elementos que se destacan siempre en sus largometrajes y que demuestran que no es una simple afición sin sentido o una idolatría absurda, porque cada elemento mencionado está sumamente cuidado y son la evidencia de su talento. Quedarse simplemente con el argumento del plagio de otros directores y géneros se vuelve un pretexto para criticarlo y no hay una visión más profunda de su verdadero trabajo. Su más reciente película (ya que “Django Unchained” se encuentra en fase de post-producción), “Inglourious Basterds” (Bastardos sin Gloria/Malditos Bastardos) de 2010, es una muestra más de su gran talento y de que cada película suya, demuestra ser una obra importantísima del cine actual y de un cine bien pensado, con resultados excelentes.

“Bastardos sin Gloria” posee todo lo necesario para considerarse obra maestra. Por supuesto, la película contiene las conocidas e innumerables referencias y homenajes a otras películas, géneros cinematográficos y directores, sin embargo posee una narrativa (propia del estilo tarantiniano) que la convierte en un largometraje bélico con elementos innovadores y muy dinámicos. Este aire renovador del género se debe entre otros aspectos al género principal que intenta homenajear, el Spaghetti Western. Luego de que su anterior película no resultó bien en taquilla, ni fue bien acogida por la crítica (“Death Proof” de 2007), Tarantino estrena un éxito rotundo y quizá, una de sus mejores películas con muchos elementos a destacar.

 

 

La historia se centra en un grupo de soldados estadounidenses que viajan a la Francia ocupada por los nazis para asesinar y masacrar a todos los nazis que sean posibles. El director se adentra en el género bélico, homenajeando a la película “Quel maledetto treno blindato” (The Inglorious Bastards) de Enzo Castellari y profundizando en un género en el que nunca había trabajado antes. Obviamente el argumento contiene elementos violentos y característicos de su estilo, con personajes con mucho carácter y aspectos característicos que definen sus personalidades y utilizando la música como elemento narrativo para la historia. Además jugando en ocasiones, como tiene acostumbrado a sus espectadores, con la linealidad de la historia. Es un argumento repleto de emociones fuertes y de escenas sobresalientes.

Tarantino logra compenetrar a todos los integrantes del equipo de producción, incluyendo a los actores, para contagiarlos de su gran pasión por el cine y aprovechando las mejores cualidades de cada persona. El director por ejemplo ordenó que los actores que interpretan a los bastardos, entrenaran en realidad el corte de cabelleras, premiando a los que lo hicieran mejor con primeros planos en pantalla. También la atmosfera de compenetración se siente con la finalización de cada escena, en la que los actores saludaban a la fallecida editora Sally Memke. Al principio de cada grabación, el director también jugaba con los actores repitiendo la frase: “¿Por qué estamos haciendo esto? porque nos encanta filmar películas”. Todo esto refleja la forma como Tarantino trabaja, además de su dedicación con cada proyecto.

El guión, escrito como siempre, por Tarantino, está muy bien estructurado y posee en su historia momentos y secuencias únicas con personajes muy bien desarrollados, además está dividido (como ya lo hiciera en “Pulp Fiction” y “Kill Bill vol.1”) en capítulos con nombre propio. Los diálogos son excelentes, especialmente en los que interviene el personaje de “Hans Landa”, ya que es el que le aporta a la película mucha identificación con los espectadores (debido a su personalidad, carácter y forma de actuar, lo cual llama mucho la atención y resalta por encima de los demás personajes ) y se convierte en uno de los mejores personajes del cine. El argumento va creciendo en tensión dramática y se nota la transformación de los personajes hacia el final, además de lo bien ejecutado que está la puesta en escena con base en el guión. La película estuvo nominada a ocho Oscar en el 2010, entre ellos estaba el de mejor guión y mejor director, siendo la película de Tarantino que más ha sido nominada a los premios de la academia.

 

La fotografía de la película es muy sobresaliente, los movimientos de cámara son estilizados y adecuados para cada situación. Tarantino, como parte de su estilo para narrar, utiliza mucho un recurso narrativo y visual, de no mostrar a un personaje que está en un lugar, para que en el transcurso de una escena aparezca sorprendiendo al público y a los mismos personajes; esto se utiliza en la película en dos ocasiones, en la escena inicial (donde “Hans Landa” está en búsqueda de judíos escondidos en una casa, y éstos están escondidos debajo del suelo) y en la escena del bar en el sótano (donde hay un oficial de la SS, de alto rango y que aparece luego de que los infiltrados entraron en el bar). Además de este recurso, hay varias escenas para destacar, entre ellas: el pequeño plano secuencia (similar al de Kill Bill vol. 1) en el que “Shoshana” está en una habitación y sale hasta donde están todas las personas invitadas a la premier de la película, la cámara sube hasta llegar a un ángulo cenital y sigue al personaje hasta que sale. Otro plano importante es el subjetivo (muy parecido al plano desde la cajuela de sus otras películas) en el que “Aldo” hace la marca de la esvástica en la frente de dos personajes. Además de la fotografía, se debe destacar también el trabajo de dirección de arte y vestuario, ya que gracias a estos también la historia se puede desenvolver con mayor fluidez y de una forma mejor.

El actor que sobresale de todos es claramente Christoph Waltz, quien interpreta a “Hans Landa” y que para la época era desconocido por todos. Tarantino lo llamo luego de ver una de sus actuaciones en otra película, luego de desechar la idea de utilizar a Leonardo Dicaprio, aceptando inmediatamente luego de una prueba actoral para el personaje. El actor entró en el mercado de Hoollywood luego de su actuación en esta cinta,  mostrando cada vez su impresionante talento. Christoph realiza un papel llamativo, carismático y que resalta por encima de los demás, interpretando a alguien listo, perspicaz y muy analítico, el cual le gusta jugar con las personas que “investiga” y que tiene muy claro todo lo que sucede a su alrededor. Melanie Laurent también realiza un muy destacable papel, interpretando a “Shoshana”, quien escapa de “Hans” y mantiene un perfil bajo después, como dueña del cinema. La actriz le dota una personalidad fría y tranquila, con una mirada llena de venganza y con mucha expresividad en su forma de ser. Además el director recurre de nuevo a algunos actores comunes en su cine, aunque no aparecen mucho tiempo en pantalla, como Samuel L. Jackson (quien hace de narrador), Harvey Keitel (quien sólo presta su voz como superior de “Aldo”) y Julie Dreyfus (quien repite con el director luego de Kill Bill vol. 1 y para quien el papel fue escrito pensado en ella, un papel muy parecido al anterior), por la que además uno de los personajes recibe su apellido (“Shoshana Dreyfus”). Los demás actores realizan muy buenas interpretaciones también, siendo un reparto más que adecuado y bien escogido para la película.

 

La música, esencial para Tarantino, esta muy bien utilizada, toda reciclada de otros filmes luego de que Ennio Morricone no pudo trabajar en el proyecto. Cada canción es precisa para cada momento y escena, especialmente la escena en que “Shoshana” se maquilla y se prepara para la premier, donde suena la canción de David Bowie “Cat People” compuesta para la película del mismo nombre, de Paul Schrader de 1982, siendo la acompañante perfecta para la situación. También la canción “Rabbia e Tarantella” de Ennio Morricone, la cual es original de la película “Allonsanfàn” de Paolo Taviani y Vittorio Taviani de 1974, es utilizada en los créditos finales, sirviendo con exactitud para el género utilizado y como la precisa conclusión de la película.

Tarantino logra una película más que destacable, demostrando a la vez que no ha perdido su talento y que está más vigente que nunca. “Bastardos Sin Gloria” se suma a una lista de películas únicas, que se han convertido en largometrajes de culto, siendo obras claves del cine contemporáneo y siendo a su vez, películas importantes para el cine en general. Sacando uno de los diálogos de la película (la oración final de hecho), puede indicar o se puede percibir al propio Tarantino hablándole al espectador de cierta forma egocéntrica, ya que “Aldo” dice “creo que esta es mi obra maestra” refiriéndose a la marca que le acaba de hacer a “Hans Landa” en la frente, pero bien puede tomarse como que el director se refiere a la propia película y su satisfacción con los resultados, no estando del todo equivocado.

Su trabajo habla por si solo, cada filme en que trabaja Tarantino se espera con ansiedad por sus aficionados, mientras que los críticos rotundos de sus obras pueden darse una oportunidad e ir más a fondo en apreciar su desempeño en sus siete largometrajes, dejando a un lado la idea de que simplemente, Tarantino se dedica a plagiar películas. Tras “Bastardos sin Gloria” se espera con ansiedad al Django de Tarantino, un personaje mítico en el cine y la incursión del director de lleno en el Spaghetti Western.

 

Nota: El error en el título, Basters en lugar de Bastards, fue intencional por parte de Tarantino, aunque no se sabe su razón.





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 - No Creo en las propinas... pero sí en el cine - Ash

"Dormiré tranquilo, porque sé que

mi peor enemigo vela por mi"

13. A Bittersweet Life

Ficha Técnica

Dirección: Kim Jee-Woon
Guión:Kim Jee-Woon
País: Corea del Sur
Actores:Jeong-min Hwang, Byung-hun Lee, Ku Jin
Año: 2005


IMDB: http://www.imdb.com/title/tt0456912/

Cuando hacer las cosas bien, sale muy mal

Sun-Woo: Una noche de otoño el discípulo se despertó llorando. Así que el maestro le preguntó al discípulo: “¿tuviste una pesadilla?” “No” “¿Tuviste un sueño triste?” “No”, dijo el discípulo. “Tuve un sueño dulce”. “¿Entonces por qué estás llorando tristemente?”. El discípulo limpio sus lágrimas y respondió calmadamente, “Porque el sueño que tuve no se puede hacer realidad”

El cine asiático, un cine abierto, delirante, exagerado, explicito e innovador; ha demostrado ser una fuente de obras cinematográficas de alta calidad (contenido-forma), además de ser una cultura generadora de realizadores con gran talento en los últimos años. Es así, como en el panorama cinematográfico han surgido nombres como Park Chan-Wook, Bong Joon-Ho, Nah-jo Jim, Won Kar Wai; o algunos que llevan una trayectoria mayor como Takeshi Kitano, Zhang Yimou, Johnnie To o Takashi Miike. En este caso, un director con una capacidad impresionante para el cine, Kim Jee-Woon, ha demostrado desde su primera película la destreza para crear narrativas únicas con momentos y escenas brillantes, la habilidad de crear atmósferas cargadas al mismo tiempo de belleza y tensión, atrapando al espectador desde el comienzo con guiones casi perfectos en su estructura y práctica. Desde su ópera prima “The Quiet Family” de 1998, Woon dejó ver su genialidad y ahora con cada película que realiza no estaría mal en ser catalogadas como obras maestras. Aunque afirmar esto,  puede parecer prematuro, ya que su filmografía se sustenta sólo en seis largometrajes y además es un director joven. Sin embargo, los filmes de Jee-Woon van mostrando un nivel cada vez mayor, notándose una evolución y una madurez reflejada en sus productos audiovisuales con unos resultados impresionantes.

Kim Jee Woon posee un estilo, un poco parecido al de Quentin Tarantino, debido a que se nota en sus películas la influencia de otros filmes y otros directores y en especial por la presencia de la violencia gráfica y el uso de la música en su narrativa visual. Pero el estilo de Woon, deja ver también un aire nuevo, con una clase de películas que refrescan el cine de acción y el thriller.

“A Bittersweet Life” es un nombre particular, ya que de hecho, el título original “Dalkomhan insaeng” no traduce “Una Vida Amarga” sino lo contrario, “Una Vida Dulce” (haciendo referencia al filme de Federico Fellini, “La Dolce Vitta”, una referencia que se nota también en el nombre del bar que sale en la película). El filme, cuenta una historia de venganza, como ya lo hiciera Park Chan Wook con su trilogía de la venganza, desde la perspectiva de un hombre callado, organizado y que hace muy bien su trabajo (servir a un mafioso), el cual al hacer lo que cree correcto, resulta involucrándose con su jefe en un problema por desobedecerlo. Es así, como  “Sun-Woo” decide vengarse por algo que para él no tiene sentido, pero que merece que se haga justicia.

El guión posee una estructura definida y bien construida, con un desarrollo de personajes claro y unos diálogos excepcionales. Llegando a tener a lo largo de la película escenas memorables, en una mezcla perfecta de música, planos muy bien escogidos, buenas actuaciones y una puesta en escena brillante. El argumento trata sobre la venganza, algo muy trabajado a lo largo de los años en el cine y que desde la perspectiva de Jee-Woon, resulta algo intenso, violento y a la vez poético. Así, la tensión va creciendo a medida que transcurre el metraje a un nivel estrepitoso, generando que el final sea más violento y climático. Es un guión profundo, bien escrito y que funciona a la perfección.

La narrativa utilizada, además de las imágenes violentas, se basa también en los planos fijos y muy limpios. Cada plano está muy bien pensado y se procura que la edición misma vaya de acuerdo con la armonía de la composición y la multiplicidad de planos que se manejan. Es una narrativa visual que cuida en extremo la belleza de lo que se ve, lo que lleva a crear una atmosfera casi lírica. El tratamiento de la película y la dirección de fotografía están sumamente cuidados, donde prima la presencia poética de la imagen mezclado con la crudeza de las situaciones que se desarrollan. Los diálogos ayudan a profundizar ese tratamiento filosófico que se ve en las imágenes, con el apoyo de unos personajes que tienen unos objetivos claros y sus personalidades están más que definidas.

La película posee muchas escenas significativas y que son de gran importancia para la historia. Una de esas secuencias memorables es en la que el protagonista se escapa de los hombres que se disponen a matarlo. Es una secuencia cargada de acción, tensión y planos cuidadosos, llevados a cabo de forma correcta. En especial por la Pole Cam* que hace parte de uno de los planos de la secuencia. Otro momento único del filme es la escena cuando “Sun-Woo” se baja de su carro, camino a la casa de “Min-Gi”. En el instante en que se baja, un extraño viento pasa por su cuerpo, como si se tratase de una premonición de que algo malo está por venir, un viento que simboliza que está por llegar una tormenta y que “Sun-Woo” no puede hacer nada para evitarlo.

Los buenos resultados se producen también, debido a las excelentes actuaciones, las cuales no son las comúnmente exageradas y un poco caricaturizadas del cine asiático, sino que por el contrario, son unas interpretaciones serias y muy bien ejecutadas. En especial por el actor principal, con el que trabajaría de nuevo Jee-Woon en la impresionante “I Saw The Devil” del 2010 y en otros trabajos suyos, convirtiéndolo en su actor fetiche. Byung-hun Lee interpreta a un hombre serio, excesivamente ordenado y que guarda una calma y una tranquilidad enorme, sin importar que tenga que recurrir a la violencia, como consecuencia de su trabajo. “Sun-Woo” sigue las normas y mantiene todo bajo control, siendo el empleado con mayor proyección y futuro del negocio en el que está. Sin embargo, por hacer lo que él cree correcto, es decir, perdonarle la vida a la novia de su jefe (la cual engañaba a éste), se ve afectado por la decisión de su jefe de castigarlo por no haberlo obedecido. Así mismo, su jefe “Baek”, tiene que enfrentar las consecuencias de su decisión, una decisión un poco absurda y que desencadenará la ira de “Sun-Woo”. Jeong-min Hwang, el cual interpreta al jefe, hace también un buen papel, el de un personaje tosco que está influenciado por el poder que tiene y el cual no perdona cualquier tipo de falta, por insignificante que sea.

La decisión de  “Sun-woo”, de no matar a la novia de su jefe, es causada porque se acercó demasiado a ella, él vio una posible realidad diferente a lo que había  vivido siempre y por un momento llegó a pensar que las cosas podrían ser distintas. Surgió su lado más humano y se dio cuenta que no sólo era un tipo cuadriculado y una maquina de matar. Sin embargo como lo predecía el viento, nada podría salir bien al desobedecerle a “Baek”. Es entonces cuando la película se introduce en dos realidades, una llena de ira, muertes y venganza por parte de “Sun-woo” y la otra una realidad que pudo ser, desde el momento en que se enamora de “Min-Gi” (la novia de “Baek”), una realidad con la que “Sun-woo” sueña y que se da cuenta que no puede ser verdadera porque está involucrado en un mundo que no perdona y que no otorga segundas oportunidades. Como lo expresa el personaje  hacia el final de la película, con la metáfora del maestro y el aprendiz, se dio cuenta que era un sueño que no se podía hacer realidad.

Sin duda alguna, “A Bittersweet Life” es una película imperdible para cualquier cinéfilo, es una cinta llena de emociones, que impacta narrativa y visualmente, con un argumento original y con el que el espectador siente una empatía inmediata y la cual posee una carga poética muy profunda, donde se reflexiona sobre la vida y las contradicciones de ésta. Es una gran película que te llega de forma directa, manteniéndote atento a lo que ves y lo más importante de todo, reflexionando sobre lo ocurrido.

Nota

* Pole Cam: Plano en el que la cámara está pegada al actor, ya sea de frente o desde atrás, y mientras el personaje camina y se mueve, el movimiento de la cámara parece moverse igual.

- No Creo en las propinas... pero sí en el cine- Ash

"La muerte nos sonríe a todos, devolvámosle la sonrisa"

Revista Digital de Cine: 24 Cuadros Por Segundo

Como proyecto paralelo al blog "Afición Cinematográfica X" surge la revista "24 Cuadros por Segundo", la cual publicará una edición nueva cada dos meses, ofreciendo secciones como: El Culto de las Sombras (Terror), Expreso Asia (Cine Asiático), Alta Tensión (Suspenso-Thriller), El Ojo De Hal (Ciencia Ficción), Fade To Noir (Cine Negro-Film Noir), Historias Mínimas (Cortometrajes) y Enfoque Selectivo, la cual se centra en la filmografía y trabajo tangencial a ella de un director de cine (en el caso de la primera edición: Quentin Tarantino). Además de una sección de estrenos.

 

El blog dónde pueden descargar la revista es: http://veinticuatrocuadrosporsegundo.blogspot.com/

- En cine Nos Vemos- Ash

"No creo en las propinas"

12. Black Christmas / Navidades Negras

Ficha Técnica

Director:  Bob Clark
Guión: Roy Moore
Actores: Olivia Hussey, Margot kidder, John Saxon, Keir Dullea.
País: Canadá
Género: Terror

Sinopsis

Las componentes de una fraternidad universitaria se disponen a festejar la noche de la víspera de Navidad. La celebración se convierte en una traumática pesadilla cuando unas llamadas obscenas rompen la serenidad y dejan claro que un psicópata esta acechando a las chicas que residen en el campus.           



IMDB  http://www.imdb.com/title/tt0071222/

El tipo de navidad que tu nunca soñarias

Asesino(Billy Lenz): "Agnes, es Billy! No digas lo que hicimos!"

El cine de terror dio un giro rotundo, hacia una exhibición más cruda de la violencia, hacia un tipo de asesinos que eran más sanguinarios, mostrando sin una gran censura el Gore*; en el momento en que las personas estuvieron dispuestas a este tipo de películas y luego de vivir guerras como la de Vietnam. Películas como "Night Of The Living Dead" (La Noche de los Muertos Vivientes) de George A. Romero, "Blood Feast"de H.G. Lewis, "Psycho" (Psicosis) de Alfred Hitchcock, fueron el inicio de un nuevo tipo de películas de terror. Dónde se evidenciaba de forma explícita la sangre, la violencia y un terror más visceral. Los Giallos** en italia y el nuevo cine de terror que surgió en este país, con directores como Mario Bava, Sergio Martino o Dario Argento, influenciarón también a que esto sucediera. Claro está, también el cine de serie B***, películas de bajo presupuesto que no necesitaban censurar lo que mostraban y que tenian mucha más libertad de tratar temas que comunmente no se trataban de forma comercial, también sirvieron de referente. El largometraje canadiense "Black Christmas" siguió estas influencias para servir al mismo tiempo de referente para lo que se vendría después dentro del género, como por ejemplo el Slasher****. Tomando lo mejor de los Giallos y el tratamiento que se le daba a los asesinos, en especial de no mostrar su identidad. Surgiendo en el mismo año que "The Texas ChainSaw Massacre" (Masacre en Texas) de Tobe Hooper, la cual se centraba también en la matanza de un asesino. Es una película imperdible para los amantes del género y todo un clásico del terror.

Quizá el aspecto más sobresaliente sea el trabajo de cámaras, los planos y el tratamiento que se le da a la perspectiva del asesino, del que nunca se muestra su identidad, pero del que podemos ver a través de sus ojos. Es un trabajo de fotografía muy sobresaliente, con el empleo de una gran cantidad de planos subjetivos y un trabajo estupendo para realizar planos del asesino sin mostrar su rostro, con juegos de iluminación muy pensados y una fluidez por parte del director para desenvolver el trabajo de cámaras por la casa. Ya que el guión, plasma el argumento en gran medida en el interior de una casa, dónde se esconde el asesino y dónde residen sus victimas. un guión muy típico de los filmes de terror, pero que para la época en que se estrenó no significa que eran elementos estereotipados, ni trabajados con anterioridad por otros largometrajes. Es un guión que plantea unos personajes muy bien definidos, en cuanto cada uno posee unas caracteristicas y una personalidad que los define y los diferencia entre si. Ayudándole asi al espectador a tener claro a cada personaje y conocer sus caracteristicas personales. Como la obsesión de la dueña de la casa con el licor, un alcoholismo llevado a un nivel un poco absurdo o de un tratamiento cómico, pero que muestra un elemento definido de su personalidad; o como el personaje de "Barb" que en todo momento refleja una actitud sarcástica, burletera o que no mide sus palabras. Es un argumento sencillo, pero que génera un sentimiento claustrofóbico en él observador, produciendo a su vez una atmósfera llena de suspenso y de tensión. Aportando además de la generación de tensión por la simple presencia del asesino y de sus asesinatos, el elemento de las llamadas que atemorizan e incomodan a las protagonistas.

La película dio a conocer a un director que prometia un talento innegable para el terror, pero lastimosamente sus proyectos posteriores no tuvieron una trascendencia grande y ni siquiera volvió a inmiscuirse dentro del género como en este largometraje. Con excepción de su anterior trabajo, "Dead of Night" del mismo año. A pesar de esto, su trabajo en el filme es excelente. la manera en que genera tnesión en un espacio pequeño, cerrado y sin cambio del mismo es un aspecto destacable. También sin la necesidad de mostrar la identidad del Psico-killer*****, porque precisamente lo que da más miedo es no conocer a lo  que nos podemos enfrentar, lo que nos asusta. Por otro lado no hay una muestra excesiva de sangre o Gore, pero aun así, se siente en el espectador la sensación de una gran violencia y de un ambiente generador de miedo sin necesidad de mostrar mucho.

Las películas de terror posteriores y en especial los Slasher se valdrían de utilizar como en el caso de "Black Christmas", una festividad o un día de celebración nacional para relacionar esta fecha con un evento del pasado del asesino. En este caso la navidad, la nochebuena, en la que el asesino recuerda su trauma de pequeño y se desahoga con las primeras personas que encuentra. Entonces dentro del género se encuentran en años posteriores: "Halloween" de John Carpenter, "April Fool's Day" (El Día de los Inocentes) de Fred Walton, "My Bloody Valentine" (Mi Sanvalentín Sangriento) de George Mihalka, "Happy Birthday To Me" (Felíz Cumpleaños a Mi) de J. Lee Thompson, entre otra gran cantidad de películas.  

Las actuaciones de la película son aceptables, destacándose la de Olivia Hussey "Jess", la cual hace el papel protagónico, mostrando bien la actitud de su personaje con su novio (El tema del aborto) y reflejando bien el miedo que siente debido a las llamadas y los asesinatos. John Saxon "Fuller", es un actor reconocido en varias películas de terror, desempeñando en varias ocasiones el papel de alguacil o sheriff de un pueblo y casi siempre en papeles secundarios; en este caso sigue esa tendencia y realiza como siempre una buena actuación a pesar de que es un personaje secundario. Keir Dullea también hace un buen desempeño, interpretando al novio de "Jess", "Peter" crea la sensación en el observador de que es el asesino, y sirve para crear aún más misterio en el filme. El actor refleja muy bien esa obsesión que comienza a sentir por "Jess" y la deseperación que vive cuando se entera que ella va a abortar a su hijo.

El asesino, como ya se indicaba anteriormente, algo muy común en los Slasher, tuvo un trauma cuando era niño y eso provocó que sufriera un complejo muy grande y terminara a causa de esto, matando y masacrando a cualquier persona. "Billy Lenz" y su hermana "Agnes" sufrían de un maltrato por parte de su madre, aunque no es claro lo que sucedió, porque la única información que se obtiene de su pasado son las frases que repite y que se quedaron grabadas en su mente. Este trauma provocó que en la época de navidad en la que transcurre la historia, "Billy" regresara a la casa en que creció y recordará más profundamente lo que vivió, ayudándole esto a la matanza que se vendría en la casa. En el Remake de la película se da más información sobre "Billy", llegando hasta mostrar escenas de su crecimiento tortuoso, pero "Black Christmas" (2006) no iguala ni supera a la original, y se pierde toda la atmósfera que se creó en el filme de 1974.

 

El hecho de ser un referente dentro del género y servir de influencia para el cine de terror moderno, son razones suficientes para reconocer a "Black Christmas" y tenerla en cuenta dentro de los mejor del cine. La película posee una gran cantidad de caracteristicas que son más que sobresalientes y que sin duda alguna mantienen al espectador atrapado sin dejarlo respirar. Es un largometraje que ningun amante del terror se puede perder y que debe de tener como referente dentro del género.

Trailer

(Fan Trailer)

Notas

*Gore: Exhibición de mutilaciones, violencia gráfica, desmembramientos y sangre en una película.

**Giallo: Sub-género de terror, que surgió en Italia. Recibe el nombre de una serie de novelas escritas de detectives, las cuales tenían la cubierta amarilla. Amarillo en italiano en Giallo.

*** Serie B: Es una clasificación de película de bajo presupuesto, las cuales poseen efectos infimos y no son comerciales. Tratan en especial géneros como el terror y la ciencia ficción.

**** Slasher: Sub-género de terror en el que un asesino enmascarado ataca a sus victimas con herramientas o armas cortantes y de todo tipo, hachas, cuchillos, sierras eléctricas, machetes, entre muchas otras.

***** Psico-Killer: Nombre que reciben los asesinos de las películas, más que todo los Slasher, debido a su condición mental y su deseo de matar.

 

- No Creo en las propinas... pero sí en el cine- Ash

-"Es hora de demostrar a tu gente lo que vales,
algunas veces eso implica morir, otras, matar a muchas personas"-